La nostra història vista per les millors càmeres: 51 #GRelatos

Avui no parlo de marca personal, però sí de relats i imatges que ens han deixat una marca eterna. Les he batejat com #GRelatos, utilitzant les meves inicials perquè siguin més fàcilment trobables.

Et presento la sèrie #GRelatos

#GRelatos és la unió de dues passions personals, la fotografia i el relat històric. Vaig créixer amb un laboratori dins de casa, on revelava i ampliava les meves pròpies fotografies. El meu primer treball “oficial” va ser als 16 a l'agència Tiempo BBDO com a ajudant de laboratori. Vaig arribar a treballar amb una petita joia, la Hasselblad 2000FC de format 6x6. No era meva, és clar, jo llavors no m'hagués pogut permetre ni tan sols llogar-la per un dia. Pertanyia a l'extingida agència Massmedia Màrqueting i Publicitat, de Jordi Argenter Giralt, el meu oncle “MadMen”.

I sempre m'ha agradat el relat històric. Especialment després de la invenció de la fotografia, on la realitat s'imposa (encara que no sempre) a la ficció dels grans mestres de la pintura o l'escultura.

#GRelatos és una sèrie, el meu petit homenatge als millors fotògrafs de la història, i especialment a les narracions de les seves fotografies. Tothom ha vist la fotografia d'Albert Einstein traient la llengua. Pocs saben que estava enfadat i cansat, que es burlava dels foto-periodistes que l'assetjaven el dia del seu aniversari, i menys han vist la foto completa del geni a l'interior d'un automòbil al costat del Dr. Frank Aydelotte i la seva dona Marie Jeanette.

És millor breu que sense relat

Reconec que estem en un temps on la economia de l'atenció demanda impactes ràpids. #GRelatos són relats breus, una imatge i tot just dos paràgrafs de narració. Moltes de les fotografies que trio, que, per descomptat, no són meves, són conegudes per molts, però no així els contextos ni les conseqüències del que va succeir abans, durant, i després del tret de la càmera.

Alguns poden pensar que es tracta de relats superficials, però més val breu que inexistent. Em vaig decidir per un format arriscat: publicar aquests relats en una xarxa social que no és meva. Potser amb això estigui accentuant aquesta fugacitat del moment que ja va passar, de la fotografia com a testimoni insubstituïble del que va passar. Publicant en una xarxa social com Instagram m'exposo al caprici de Zuckerberg o al fet que un Parlament anacrònic com l'europeu em prohibeixi compartir imatges que han fet història per una estúpida qüestió burocràtica.

Un homenatge als millors fotògrafs

Aquest és un homenatge als millors. Des de foto-periodistes fins fotògrafs de moda, passant per alguns en que el nom ha estat ocult per les dictadures d'aquest món malalt. Però sobretot, és un homenatge a l'aparent facilitat d'aquests professionals per explicar-nos les coses amb el obrir i tancar d'un obturador.

Aquí plasmo les primeres 51 publicacions, però amenaço en que això seguirà, a ritme d'uns set #GRelatos per setmana.

51 #GRelatos

Aquí va això. Espero que t'agradi. Si vols seguir els propers, segueix el hashtag #GRelatos a Instagram.

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

El vol de coixins. Harry Benson, 1964. Harry Benson no volia conèixer als Beatles. El fotògraf nascut a Glasgow tenia previst cobrir una notícia a l'Àfrica quan se li va assignar la tasca de fotografiar als músics a París. “Em vaig prendre per un periodista seriós i no volia cobrir una història de rock'n’ rotllo”, es va mofar. Però una vegada que va conèixer als nois de Liverpool i els va escoltar tocar, Benson no va voler anar-se'n. “pensament:'Déu, sóc al lloc perfecte '”. “Els Beatles eren a la cúspide de la grandesa, i Benson estava enmig d'ella. La seva foto de baralla de coixins, presa en el luxós George V Hotel la nit que la banda va descobrir que “Vull agafar-te la mà” era el nombre 1 als Estats Units, congela 1 John, Paul, George i Ringo en una exuberant cascada de talent juvenil, i potser el seu últim moment de desenfrenada innocència. Captura l'alegria, la felicitat i l'optimisme que es abraçaria com Beatlemania i que va ajudar a aixecar la moral dels Estats Units només 11 setmanes després de l'assassinat de John F. Kennedy. Al mes següent, Benson va acompanyar els Fab Four en el seu viatge a la ciutat de Nova York per aparèixer a The Ed Sullivan Show, donant inici a la invasió britànica. El viatge va conduir a dècades de col·laboració amb el grup i, com Benson va recordar més tard, “vaig estar tan a prop de no ser-hi”. ____________________________ # time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #thebeatles Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 1 mar, 2019 a les 11:51 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

La salutació "Black power". John Dominis 1968 Els Jocs Olímpics estan destinats a ser una celebració de la unitat global. Però quan els velocistes nord-americans Tommie Smith i John Carlos van pujar a la tribuna de medalles en els Jocs de 1968 a la Ciutat de Mèxic, estaven decidits a fer miques la il·lusió que tot estava bé en el món. Just abans que “The Star-Spangled Banner” comencés a sonar, ferrer, el medallista d'or, i Carlos, el guanyador de bronze, inclinar els seus caps i van aixecar els punys amb guants negres en l'aire. El seu missatge no podria haver estat més clar: Abans de saludar Amèrica, Amèrica ha de tractar als negres com iguals. “Sabíem que el que anàvem a fer era molt més gran que qualsevol gesta atlètica”, va dir Carlos més tard. John Dominis, un fotògraf de tret ràpid conegut per capturar moments inesperats, va fer un primer pla que va revelar una altra capa: Smith amb mitjons negres, sense sabates per córrer, en un gest que simbolitza la pobresa dels negres. Publicada en vida, la imatge de Dominis convertir l'ombrívola protesta en un emblema icònic de la turbulenta dècada dels 60 ___________________________ # time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #blackpower Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 3 mar, 2019 a les 1:04 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Jackie vent. Ron Galella, 1971 La gent simplement no es cansava de Jacqueline Kennedy Onassis, la maca vídua del president assassinat que es va casar amb un magnat navilier grec fabulosament ric. Era una figura pública amb una vida privada molt vigilada, el que la convertia en un blanc privilegiat per als fotògrafs que la seguien a tot arreu. I cap es va dedicar tant a capturar l'ex Primera Dama com Ron Galella. Un dels paparazzi de celebritats, Galella va crear el model d'avui amb un estil de seguiment i emboscada que va atrapar a tothom, des de Michael Jackson i Sophia Loren fins Marlon Brando, qui estava tan ressentit amb l'atenció de Galella que li va arrencar cinc dels dents al fotògraf. Però el tema favorit de Galella era Jackie O., a qui va disparar fins al punt d'obsessionar. Va ser la fixació implacable de Galella el que el va portar a pujar a un taxi i seguir a Onassis després que la veiés a l'Upper East Side de la ciutat de Nova York a l'octubre de 1971. El conductor va tocar la botzina i Galella va fer clic al obturador just quan Onassis es va girar per mirar en la seva direcció. “No crec que ella sabés que vaig ser jo”, va recordar. “Per això va somriure una mica.” el quadre, que Galella va cridar amb orgull “la meva Mona Lisa”, irradia l'espontaneïtat desprotegida que marca una gran foto de celebritats. “Era la fotografia icònica de l'aristocràcia de les celebritats nord-americanes i va crear un gènere”, diu l'escriptor Michael Gross. La imatge també va posar a prova la borrosa línia entre la recol·lecció de notícies i els drets personals d'una figura pública. Jackie, a qui li molestava l'atenció constant, va portar dues vegades a Galella a la cort i finalment li va prohibir fotografiar la seva família. _____________________________ # time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #paparazzi Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 3 mar, 2019 a les 11:09 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Sense títol Fotograma #21. Cindy Sherman, 1978 Des que va irrompre en l'escena artística a finals de la dècada de 1970, la Cindy Sherman persona sempre ha romàs oculta per la Cindy Sherman objecte. A través d'autoretrats enginyosos i deliberadament confusos presos en circumstàncies familiars però artificials, Sherman va introduir la fotografia com a art de performance postmodern. De la sèrie Untitled Film Stills, #21 (“Noia de la ciutat”) recorda un fotograma d'una pel·lícula de sèrie B o una escena d'obertura d'un programa de televisió antic. No obstant això, les imatges són enterament creacions de Sherman, el que col·loca l'espectador en el paper de voyeur involuntari. En lloc de capturar la vida real amb el clic d'un obturador, Sherman utilitza la fotografia com una eina artística per enganyar i captivar. Les seves imatges s'han convertit en algunes de les fotografies més valuoses mai produïdes. Manipulant als espectadors i reformulant la seva pròpia identitat, Sherman va crear un nou lloc per la fotografia en les belles arts. I va demostrar que fins i tot la fotografia permet que la gent sigui una cosa que no és. ________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #fakephoto Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 4 mar, 2019 a les 10:14 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Brian Ridley & Lyle Heeter. Robert Mapplethorpe, 1979 Al 1979, quan Robert Mapplethorpe va fotografiar a Brian Ridley i Lyle Heeter amb les seves vestimentes sadomasoquistes, la cultura americana no estava molt oberta a l'homosexualitat. En el treball, els empleats homosexuals estaven en gran part amagats. En molts estats, expressar el seu amor podria ser un delicte. Mapplethorpe va passar 10 anys documentant l'escena gai subterrània de S&M, un món encara més apartat de la vista del públic. Els seus retrats íntims i molt estilitzats ho van posar en relleu, potser cap més que Brian Ridley i Lyle Heeter. Els dos homes estan vestits de cuir, amb el submís lligat amb cadenes i el company dominant amb les regnes en una mà i una fusta en l'altra. No obstant això, els homes es col·loquen en una sala d'estar que d'altra banda no té res d'extraordinari, una juxtaposició que afegeix una capa de normalitat a una relació que està fora dels límits del que la majoria dels nord-americans consideraven acceptable en aquest llavors. El quadre i la sèrie de la qual formava part van obrir les portes perquè un seguit de fotògrafs i artistes examinessin sense complexos la vida gai i la seva sexualitat. Gairebé una dècada després, el treball de Mapplethorpe va seguir provocant. Una exposició que presentava les seves fotografies d'escenes de S&M gai va portar a un museu d'art de Cincinnati i al fet que el seu director fossin acusats d'obscenitat. (Mapplethorpe va morir de SIDA a 1989, un any abans que comencés el judici.) El museu i el seu director van ser finalment absolts, el que va reforçar el llegat de Mapplethorpe com un pioner audaç l'obra mereixia una exhibició pública. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #gayworld Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 5 mar, 2019 a les 11:21 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

home del tanc. Jeff Widener, 1989 En el matí del 5 de juny de 1989, el fotògraf Jeff Widener estava en un balcó del sisè pis de l'Hotel Beijing. Va ser un dia després de la massacre de la Plaça de Tiananmen, quan les tropes xineses van atacar als manifestants pro-democràcia que van acampar a la plaça. L'Associated Press va enviar a Widener per documentar les conseqüències. Mentre fotografiava a les víctimes sagnants, als transeünts amb bicicleta i l'autobús cremat, una columna de tancs va començar a sortir de la plaça. Widener va alinear la seva lent just quan un home que portava bosses de compres es va aturar davant les màquines de guerra, agitant els braços i negant-se a moure. Els tancs van intentar envoltar l'home, però ell va tornar al seu camí, pujant breument per sobre d'un. Widener va assumir que l'home moriria, però els tancs no van disparar. Finalment, l'home va ser apartat, però no abans que Widener immortalitzés la seva singular acte de resistència. Altres també van capturar l'escena, però la imatge de Widener va ser transmesa a través del cable AP i va aparèixer en les primeres planes de tot el món. Dècades després que l'home del tanc es convertís en un heroi global, segueix sense ser identificat. L'anonimat fa que la fotografia sigui encara més universal, un símbol de resistència als règims injustos de tot el món. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #tankman Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 6 mar, 2019 a les 10:07 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Kathrine Switzer’ marató. Harry Trask, Boston Herald, 1967 L'oficial de carrera Jock Semple va tractar de treure per la força a la corredora @KathrineSwitzer de la marató de Boston en 1967 simplement perquè era una dona. Afortunadament per Switzer, el seu xicot li va donar un cop mà i ella va poder arribar a la meta. Switzer es va inspirar en l'incident per crear esdeveniments d'atletisme per a dones de tot el món i va ser una líder a portar la marató de dones als Jocs Olímpics. Quan aquesta foto va aparèixer per primera vegada en 1967, aquesta era la llegenda original: “Hopkinton, Massachusetts, 19 d'abril de 1967: Qui diu que la cavallerositat ha mort? Quan una noia que apareix a la llista com “K”. Switzer de Syracuse” es trobava a punt de ser expulsada de la marató de Boston, generalment de sexe masculí, i en el seu lloc el seu company Thomas Miller, de Siracusa, llançar un bloc que va a un oficial de carrera de la carrera. La seqüència mostra a Jock Semple, oficial, movent-se per interceptar a la Srta. Switzer, i després sent rebotat per Miller. Fotos de Harry Trask Boston viatgers. "________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto # 8M #mujeresconmarca #diamundialdelamujer #internationalwomenday Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 7 mar, 2019 a les 10:56 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

vaquer. Richard Prince, 1989 La idea del projecte que trencaria tot l'escrit sobre els drets d'autor en fotografia li va venir a Richard Prince quan treballava al departament de premsa rosa a Time Inc. Mentre deconstruïa les pàgines de les revistes per als arxius, un anunci en particular li va cridar l'atenció: la imatge masclista i arquetípica de l'home Marlboro muntant a cavall sota el cel blau. I així, en un procés que va arribar a cridar repoblació, Prince va fer fotos dels anuncis i va retallar el tipus, deixant només l'icònic vaquer i els seus voltants. Que Prince no prengués la foto original significava poc per als col·leccionistes. Al 2005 "Cowboy" es va vendre per 1,2 milions de dòlars en una subhasta, el preu més alt registrat públicament per la venda d'una fotografia contemporània. D'altres es van mostrar menys entusiastes. Prince va ser demandat per un fotògraf per usar imatges amb drets d'autor, però els tribunals van fallar a favor de Prince. Aquesta no va ser la seva única victòria. La fotografia de Prince va ajudar a crear una nova forma d'art -la fotografia de la fotografia- que va prefigurar l'era de la compartició digital i va canviar la nostra comprensió de l'autenticitat i propietat d'una fotografia. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #marlboroman #cowboy Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 8 mar, 2019 a les 11:13 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Demi Moore. Annie Leibovitz, 1991 L'estrella de Hollywood Demi Moore estava embarassada de set mesos del seu segon fill quan va aparèixer a la portada de Vanity Fair tal com va arribar al món. Tal exhibició no era inusual per Moore, que va immortalitzar el naixement del seu primer fill amb tres càmeres de vídeo. Però va ser una cosa sense precedents per a un mitjà de comunicació convencional. La retratista Annie Leibovitz va fer una imatge que celebrava l'embaràs, mostrant com la maternitat podia ser no només empoderante sinó també sexy. L'editora de la revista, Tina Brown, va considerar l'acte de Moore com una declaració valenta, “una nova estrella de cinema jove disposada a dir:'Estic guapíssima embarassada', i no s'avergonyeix d'això '”. La foto va ser la primera foto dels mitjans de comunicació que sexualizó l'embaràs, i per a molts va ser massa xocant per a aparèixer en quioscs. Algunes cadenes de supermercats es van negar a vendre la revista, mentre que altres ho van encobrir com si fos pornografia. No ho va ser, per descomptat. Però era una portada de revista provocativa, i va fer el que només les millors portades poden fer: canviar la cultura. Un cop l'embaràs va ser un assumpte relativament privat, fins i tot per als personatges públics. Després de la foto de Leibovitz, els parts de celebritats, les fotos de maternitat al nu i les fotos de paparazzi de les protuberàncies dels nadons s'han convertit en negoci per a ells mateixos. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #pregnancy #demimoore #AnnieLeibovitz Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 10 mar, 2019 a les 12:16 PST

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Pilars de la Creació, NASA, 1995 Poc va faltar perquè el Telescopi Espacial Hubble no ho aconseguís. portat a 1990 a bord del transbordador espacial Discovery, superava el pressupost, portava anys de retard i, quan finalment va aconseguir l'òrbita, es va quedar curt i el seu mirall de 2,5 metres es va distorsionar com a resultat d'un defecte de fabricació. No seria fins 1993 que una missió de reparació posaria en línia a l'Hubble. Finalment, 1 d'abril de 1995, el telescopi va aconseguir capturar una imatge de l'univers tan clara i profunda que ha arribat a ser coneguda com els "Pilars de la Creació". El que el Hubble va fotografiar és la Nebulosa de l'Àguila, un pegat que forma estrelles a 6.500 anys-llum de la Terra en la constel·lació Serpens Cauda. Les grans xemeneies són vastes núvols de pols interestel·lar, formades pels vents d'alta energia que bufen des de les estrelles properes (la part negra a la part superior dreta és de l'ampliació d'una de les quatre càmeres del Hubble). Però la ciència dels pilars ha estat la menor part de la seva importància. Alguns dels els pilars estan a 5 anys llum, uns 30 bilions de milles. Una imatge va aconseguir el que mil simposis d'astronomia mai van poder aconseguir. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #universe #hubble Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 10 mar, 2019 a les 11:58 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Primera imatge enviada per telèfon mòbil. Philippe Kahn, 1997 L'avorriment pot ser un incentiu poderós. Al 1997, Philippe Kahn estava sense res a fer en una sala de maternitat del nord de Califòrnia. Epecialista en el programari, la seva dona el va fer fora de la sala de parts mentre ella donava a llum a la seva filla, Sophie. Així que Kahn es va entretenir a construir un dispositiu amb el qual enviar una foto de la seva filla acabada de néixer als seus amics i familiars en temps real. Com qualsevol altre invent, es tractava d'una instal·lació rudimentària: una càmera digital connectada al seu telèfon mòbil, sincronitzada per unes poques línies de codi que havia escrit en el seu ordinador portàtil a l'hospital. El que va fer va transformar el món: El dispositiu de Kahn va capturar els primers moments de la seva filla i els va transmetre instantàniament a més de 2.000 persones. Kahn aviat va refinar el seu prototip ad hoc, i l'any 2000 Sharp va utilitzar la seva tecnologia per llançar el primer telèfon amb càmera integrat disponible comercialment, al Japó. Els telèfons es van introduir al mercat nord-americà uns anys més tard i aviat es van convertir en omnipresents. La invenció de Kahn va alterar per sempre la forma en què ens comuniquem, percebem i experimentem el món i va establir les bases per als telèfons intel·ligents i les aplicacions per compartir fotos com @Instagram i snapchat. Els telèfons s'utilitzen ara per enviar centenars de milions d'imatges per tot el món cada dia, incloent un bon nombre de fotos de nadons. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #mobileworld #instantimages #smartphone Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 11 mar, 2019 a les 11:24 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Navegar pels hipopòtams. Michael Nichols, 2000 Set mil milions d'éssers humans ocupen molt espai, i aquesta és una de les raons per les quals la naturalesa salvatge està disminuint ràpidament a tot el món. Fins i tot a l'Àfrica, on lleons i elefants encara vaguen, l'espai per als animals salvatges s'està reduint. Això és el que fa que la fotografia de Michael Nichols sigui tan especial. Nichols i l'explorador de la National Geographic Society, Michael Fay, van emprendre una àrdua caminada de 2.000 milles des del Congo a l'Àfrica central fins Gabon, a la costa oest del continent. Allà va ser on Nichols va capturar una fotografia d'alguna cosa sorprenent: uns hipopòtams nedant en plena mitjanit a l'Oceà Atlàntic. Va ser un esdeveniment que pocs havien vist abans. Els hipopòtams passen la major part del seu temps a l'aigua, i el seu hàbitat més probable és un riu interior o un pantà, no el mar obert. La fotografia en si mateixa és d'una bellesa salvatge, els ulls i el musell de l'hipopòtam traient el cap just per sobre de l'ondulada superfície de l'oceà. Però el seu efecte va ser més que estètic. El president de Gabon, Omar Bongo, es va inspirar en les imatges de Nichols per crear un sistema de parcs nacionals que ara cobreixen el 11 per cent del país, assegurant un espai per a la natura. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #hippos #gabon Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 12 mar, 2019 a les 10:52 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

La sala de situació. Pete Souza, 2011 Els fotògrafs oficials de la Casa Blanca solen documentar els presidents en els seus moments d'oci i de treball, al telèfon amb els líders mundials i presidint les reunions del Despatx Oval. I de vegades aquest accés únic els permet capturar moments clau que es converteixen en memòria col·lectiva. El 1 de maig de 2011, Pete Souza estava a la Sala de Crisi quan les forces nord-americanes van irrompre al complex pakistanès d'Osama bin Laden i van matar el líder terrorista. No obstant això, la imatge de Souza no inclou ni la incursió armada ni a bin Laden. Tanmateix, va captar als que estaven veient l'operació secreta en temps real. El president Barack Obama va prendre la decisió de llançar l'atac, però com tothom a la sala, és un mer espectador de la seva decisió. Amb les celles arrufades, Obama observa amb atenció l'operació a través dels monitors. La secretària d'Estat Hillary Clinton es cobreix la boca, esperant a veure el resultat. En un discurs nacional pronunciat aquesta nit des de la Casa Blanca, Obama va anunciar que bin Laden havia estat executat. Mai s'han publicat fotografies del cadàver, deixant la de Souza i la tensió que va captar com l'única imatge pública del moment en què la guerra contra el terror va aconseguir la seva victòria més important. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #situationroom #whitehouse Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 13 mar, 2019 a les 11:46 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Corea del Nord. David Guttenfelder, 2013 David Guttenfelder va ser responsable de fotografia a Associated Press per l'Àsia quan aquesta agència es va convertir en la primera organització internacional de notícies en obrir una oficina a Corea del Nord. Va començar a fer viatges freqüents a país, que havia estat en gran mesura fora de l'abast dels periodistes estrangers i pràcticament ocult a la vista del públic durant gairebé 60 anys. Guttenfelder va fer una crònica dels esdeveniments oficials i dels concursos organitzats a Pyongyang, però la seva mirada seguia vagant per les escenes de la vida quotidiana més enllà de les visites guiades. A principis de 2013, Corea del Nord va posar a disposició dels estrangers una connexió 3G, i de sobte Guttenfelder va tenir la capacitat de compartir aquestes imatges amb el món en temps real. El 18 de gener de 2013, va utilitzar el seu iPhone per enviar una de les primeres imatges a Instagram des de l'interior del país. “La finestra a Corea del Nord ha obert una altra esquerda”, escriure en el seu àmpliament seguit relat. “Mentrestant, per als coreans que no tindran accés al mateix servei, la finestra roman tancada.” Utilitzant la tecnologia emergent de l'era de la compartició, Guttenfelder va obrir una de les societats més tancades del món. També va inspirar a altres visitants estrangers a fer el mateix, creant un retrat de la monotonia de la vida quotidiana que no és visible a la cobertura general de l'estat totalitari i portant al món exterior la seva imatge més clara fins ara de Corea del Nord. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #thewindow #korea Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 15 mar, 2019 a les 12:09 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Oscar selfie. Bradley Cooper,2014 La fotografia va arribar a un Internet saturat de famosos. A la meitat de la cerimònia dels Oscars 2014, l'amfitriona Ellen DeGeneres es va ficar entre la multitud i va acorralar a algunes de les estrelles més grans del món. Mentre Bradley Cooper sostenia el telèfon, Meryl Streep, brad Pitt, Jennifer Lawrence i Kevin Spacey, entre d'altres, van unir les seves cares i van riure. Però va ser el que DeGeneres va fer a continuació el que va convertir aquesta banalitat de Hollywood en una imatge transformadora. Després que Cooper prengués la foto, DeGeneres la va publicar immediatament al Twitter, on va ser retuiteada més de 3 milions de vegades, més que qualsevol altra foto de la història. També va ser una enorme campanya publicitària per Samsung. DeGeneres va usar el telèfon d'aquesta marca per al selfie, i la marca va ser exhibida de manera prominent en el programa televisat “moment autofoto”. Samsung ha mantingut certa discreció sobre l'abast de l'acció, però la seva signatura de relacions públiques va reconèixer que el seu valor podria ser de fins 1.000 milions de dòlars. Això no hauria estat possible sense la increïble velocitat i facilitat amb què les imatges es poden difondre per tot el món. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #selfie #hollywoodoscars Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 16 mar, 2019 a les 12:12 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

L'última batalla d'Allende. Luis Orlando Llacs, 1973 Salvador Allende va ser el primer cap d'Estat marxista elegit democràticament. Va assumir la presidència de Xile en 1970 amb el mandat de transformar el país. Nacionalitzar empreses de propietat nord-americana, convertir propietats en cooperatives, va congelar els preus, augmentar els salaris i va imprimir diners per finançar els canvis. Però l'economia va trontollar, la inflació es va disparar i els disturbis van créixer. A fins d'agost de 1973, Allende va nomenar a Augusto Pinochet comandant de l'exèrcit. Divuit dies després, el general conservador va orquestrar un cop d'estat. Allende es va negar a anar-se'n. Armat amb un AK-47 i protegit només per guàrdies lleials al seu costat, emetre el seu discurs final a la ràdio, amb el so dels trets com a teló de fons. Quan el palau presidencial de Santiago va ser bombardejat, Luis Orlando Llacs, el fotògraf oficial d'Allende, capturar un dels seus últims moments. Poc després, Allende es va suïcidar, encara que durant dècades molts van creure que havia estat assassinat per les tropes que avançaven. Tement per la seva pròpia vida, llacs va fugir. Durant els gairebé 17 anys de govern de Pinochet, 40.000 xilens van ser interrogats, torturats, assassinats o desapareguts. La foto de Lagos va aparèixer anònimament. Va guanyar el premi World Press Photo of the Year de 1973 i es va convertir en una imatge que va immortalitzar a Allende com un heroi que va triar la mort abans que el deshonor. Només després de la mort de Llacs en 2007 es va conèixer la identitat del fotògraf. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #chile #allende Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 16 mar, 2019 a les 11:43 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Un home a la lluna. Neil Armstrong, NASA 1969 En algun lloc de la Mar de la Tranquil·litat, on es trobava Buzz Aldrin a la nit del 20 de juliol de 1969, segueix existint un dels milers de milions de pous i cràters de l'antiga superfície de la lluna. Però pot ser que no sigui la marca més indeleble de l'astronauta. A Aldrin mai li va importar ser el segon home a la lluna que arribés tan lluny i es perdés la històrica designació de primer home que Neil Armstrong va guanyar per només uns centímetres i minuts. Però Aldrin es va guanyar un altre tipus d'immortalitat. Com era Armstrong qui portava el Hasselblad de 70 mil·límetres de la tripulació, prendre totes les fotos, el que significa que els únics terrícoles que es veurien clarament serien els que donessin els segons passos. Que aquesta imatge hagi resistit el temps de la forma en què ho ha fet no era probable. No inclou les fotos de Aldrin baixant per l'escala del mòdul lunar, tampoc la ressonància patriòtica de la seva salutació a la bandera americana. Només hi és, immòbil en el seu lloc, un home sovint i fràgil en un món llunyà, un món que estaria encantat de matar-lo si es tragués una sola peça de la seva extremadament complexa vestimenta. El seu braç està doblegat amb poca traça, perquè estava mirant els indicadors de control al canell. I Armstrong, encara més petit i espectral, es reflecteix en la seva visera. És una mala imatge si la intenció era transmetre heroisme. Però va ser positiva i duradora. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #manonthemoon #moon Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 18 mar, 2019 a les 12:07 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Invasió de Praga. Josef Koudelka, 1968 Als soviètics els molestava el “socialisme de rostre humà” que el govern d'Alexander Dubcek va portar a Txecoslovàquia. Tement que les reformes de Dubcek en matèria de drets humans portessin a un aixecament democràtic com el d'Hongria a 1956, les forces del Bloc de Varsòvia es van proposar anul·lar el moviment. Els seus tancs van arribar a Txecoslovàquia el 20 agost 1968. I mentre prenien ràpidament el control de Praga, inesperadament es van topar amb masses de ciutadans que onejaven banderes, que aixecaven barricades, tancs apedregaven, tombaven camions i fins i tot treien els rètols dels carrers per confondre les tropes. Josef Koudelka, un jove enginyer nascut a Moràvia que havia estat fent fotos de la vida txeca, era a la capital quan van arribar els soldats. Va prendre fotos de la revolta i va crear un registre sense precedents de la invasió que canviaria el curs de la seva nació. La peça més important inclou el braç d'un home en primer pla, que mostra al seu rellotge de polsera un moment de la invasió soviètica amb un carrer desert en la distància. Encapsula meravellosament el temps, la pèrdua i el buit, i l'estrangulament d'una societat. Els records visuals de Koudelka sobre el conflicte en curs -amb la seva evidència del temps, la brutalitat de l'atac i els desafiaments dels ciutadans txecs- redefinir el fotoperiodisme. Les seves fotografies van sortir de Txecoslovàquia i van aparèixer al London Sunday Times en 1969, encara que sota el pseudònim P.P. de Fotògraf de Praga, ja que Koudelka temia represàlies. aviat va fugir, seva raó de ser per a deixar el país com a testimoni del poder de l'evidència fotogràfica: “Tenia por de tornar a Txecoslovàquia perquè sabia que si volien esbrinar qui era el fotògraf desconegut, podien fer-ho”. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #Czechoslovakia #Prague Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 18 mar, 2019 a les 11:55 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

El bany de Mao al Yangtze. fotògraf desconegut, 1966 Després de dècades dirigint el Partit Comunista Xinès i després la seva nació, Mao Zedong va començar a preocupar-se per el seu llegat de marca personal. el President, de 72 anys d'edat, també temia que la seva empremta es veiés soscavada pels moviments de la contrarevolució. Així que al juliol de 1966, amb l'objectiu d'assegurar el poder, Mao es va submergir en el riu Yangtze per demostrar al món que seguia gaudint de bona salut. Va ser un acte de pura propaganda. La imatge d'aquest bany, una de les poques fotos del líder que va circular massivament, va fer exactament el que Mao esperava. De retorn a Pequín, Mao va llançar el seu Gran Revolució Cultural Proletària, mobilitzant les masses per purgar als seus rivals. El seu control sobre el poder era més fort que mai. Mao va allistar als joves de la nació i va implorar als Guàrdies Vermells a què “s'atrevissin a ser violents”. La bogeria es va desfermar ràpidament sobre aquella la Xina de 750 milions de persones, mentre les tropes lleials al Llibre Vermell del President destrossaven relíquies i temples i castigaven els supòsits traïdors. Quan la Revolució Cultural finalment es va esgotar una dècada després, més d'un milió de persones havien estat assassinades. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #China #Mao Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 19 mar, 2019 a les 11:43 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Muhammad Ali contra Sonny Liston. Neil Leifer, 1965 Gran part del secret d'una bona foto és estar en el lloc i moment adequats. Aquesta sort va tenir Neil Leifer quan va disparar la fotografia esportiva més cèlebre del S. XX. “Òbviament era al seient correcte, però el que importa és que no vaig fallar”, va dir més tard. El 25 de maig de 1965, Leifer va ocupar aquest seient al ring de Lewiston, Maine, quan el campió de boxa de pes pesat de 23 anys d'edat, Muhammad Ali, es va enfrontar a Sonny Liston, de 34 anys d'edat, l'home a qui havia arrabassat el títol de l'any anterior. Un minut i 44 segons després del primer assalt, el puny dret d'Ali va connectar amb la barbeta de Liston i Liston va caure a plom. Leifer va treure la foto del campió sobresortint sobre el seu oponent vençut i burlant-se d'ell, “Aixeca't i baralla, imbècil!” Les potents llums de sostre i els núvols de fum dels cigars havien convertit el ring en l'estudi perfecte, i Leifer es va aprofitar al màxim. La seva imatge captura a Ali irradiant la força i el desvergonyiment poètic que el va convertir en l'atleta més estimat i vilipendiat de la Estats Units, en un moment en què l'esport, la política i la cultura popular estaven a la corda fluixa en plena revolució social i cultural dels anys 60. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #muhammadali #ring Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 20 mar, 2019 a les 11:44 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Birmingham, Alabama. Charles Moore, 1963 De vegades el mirall més efectiu de la realitat és una fotografia. En l'estiu de 1963, Birmingham estava en ebullició quan els ciutadans negres i els seus aliats en el moviment de drets civils van xocar repetidament amb una estructura de poder blanca que intentava mantenir la segregació i que estava disposada a fer el que fos necessari. Charles Moore era fotògraf del Montgomery Advertiser i de Life, nascut a Alabama i fill d'un predicador baptista horroritzat per la violència infligida als afroamericans en nom de la llei i l'ordre. Encara que va fotografiar molts altres moments importants del moviment, va ser aquesta imatge d'un gos policia esquinçant els pantalons d'un manifestant negre el que va capturar la rutina, fins i tot casual, de la brutalitat de la segregació. Quan la imatge es va publicar en Life, ràpidament es va fer evident per a la resta del món el que Moore havia sabut durant molt de temps: posar fi a la segregació no es tractava d'erosionar la cultura, sinó de restaurar la humanitat. Els polítics vacil·lants aviat van prendre cartes en l'assumpte i van aprovar la Llei de Drets Civils de 1964 gairebé un any després. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #civilrights #segregation Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 22 mar, 2019 a les 1:03 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Nit de Nadal (Happy club). Malick Sidibé, 1963 La vida del fotògraf malià Malick Sidibé va seguir els passos de la del seu país. Va començar pasturant les cabres de la seva família i després es va formar en joieria, pintura i fotografia. En acabar el domini colonial francès en 1960, capturar els subtils i profunds canvis que estaven donant forma al seu país. Anomenat l'Ull de Bamako, Sidibé va prendre milers de fotos que es van convertir en una crònica en temps real de l'eufòric esperit del temps que es va apoderar de la capital, un document d'un moment fugaç. “Tothom havia d'anar a l'últim estil parisenc”, observar dels joves que portaven roba cridanera, a cavall en Vespes i acariciant en públic mentre abraçaven un món sense grillons. A la nit de Nadal de 1963, Sidibé es va trobar amb una jove parella en un club, perduda en els ulls de l'altre. El que Sidibé va cridar la seva “talent per observar” li va permetre capturar la seva tranquil·la intimitat, amb els caps gratant-se mentre adornaven una pista de ball buida. “Estàvem entrant en una nova era, i la gent volia ballar”, va dir Sidibé. “La música ens va alliberar. De sobte, els homes joves podien acostar-se a les dones joves, sostenir a les seves mans. abans, no estava permès. I tots volien ser fotografiats ballant de prop”. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #mali #dance Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 23 mar, 2019 a les 3:03 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Salt a la llibertat. Peter Leibing, 1961 Després de la Segona Guerra Mundial, els governs aliats conqueridors van dividir Berlín en quatre zones d'ocupació. No obstant això, totes les parts no eren iguals, i entre 1949 i 1961 uns 2,5 milions d'alemanys orientals van fugir de la secció soviètica a la recerca de llibertat. Per aturar el flux, el líder d'Alemanya Oriental, Walter Ulbricht, va fer aixecar a principis d'agost de 1961 una barrera de filferro de pues. Uns dies després, el fotògraf d'Associated Press, Peter Leibing, va ser informat que podria produir-se una deserció. Ell i altres càmeres es van reunir i van observar a una multitud a Berlín Occidental que va atreure al guàrdia fronterer de 19 anys Hans Conrad Schumann, cridant-li: “Vine aquí!” Schumann, que més tard va dir que no volia “viure tancat”, de cop i volta va córrer cap a la barricada. Mentre buidava els cables afilats, va deixar caure el seu rifle i se'l van emportar. Publicada a través del cable d'AP, la foto de Leibing va aparèixer en les primeres planes de tot el món. Va fer de Schumann, suposadament el primer soldat conegut d'Alemanya Oriental que va fugir, un exemple dels que anhelen ser lliures, alhora que donava urgència a Alemanya Oriental per un Mur de Berlín més permanent. Schumann va sentir el pes de la seva decisió i finalment es va suïcidar a 1998. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #berlin #freedom Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 24 mar, 2019 a les 12:41 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Casi Study House sense. 22, los Angeles. Julius Shulman, 1960 durant dècades, el Somni de Califòrnia va significar l'oportunitat de tenir una casa al mig d'un paradís. L'atractiu de la casa era el pati amb les palmeres, no el contorn de les parets. Julius Shulman va ajudar a canviar això. Al maig de 1960, el fotògraf nascut a Brooklyn es va dirigir a la Stahl House de l'arquitecte Pierre Koenig, una casa d'Hollywood Hills amb una vista impressionant de Los Angeles, una de les 36 Cases del projecte "Case Study Houses" que van ser part d'un experiment arquitectònic que enaltia les virtuts de la teoria modernista i els materials industrials. Shulman va fotografiar la majoria de les cases del projecte, ajudant a desmitificar el modernisme a ressaltar la seva elegant simplicitat i humanitzar les seves vores angulars. Però cap de les seves altres fotos va ser més influent que la que va prendre de la Case Study House no. 22. Per mostrar l'essència d'aquest edifici en voladís, Shulman va col·locar a dues glamuroses dones a vestides de còctel dins de la casa, on semblen estar flotant sobre una ciutat mítica i centellejant. la foto, per a ell “una de les meves obres mestres”, és la imatge immobiliària de més èxit mai presa. Va perfeccionar l'art de la posada en escena aspiracional, convertint una casa a l'encarnació de la Bona Vida, de Hollywood, de Califòrnia com la Terra Promesa. I, gràcies a Shulman, aquest somni ara inclou una caixa de vidre en el cel ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #hollywood #americandream Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 24 mar, 2019 a les 11:49 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

guerillero. Alberto Repetir, 1960 El dia abans que Alberto Korda prengués la seva icònica fotografia del revolucionari cubà Che Guevara, un vaixell havia explotat al port de l'Havana, matant a la tripulació i desenes de treballadors portuaris. A l'cobrir el funeral del diari Revolució, Korda es va centrar en Fidel Castro, qui en una ardent oració va acusar els Estats Units de causar l'explosió. Els dos fotogrames que va filmar del jove aliat de Castro van ser una ocurrència tardana, i no van ser publicats pel diari. Però després que Guevara fos assassinat dirigint un moviment guerriller a Bolívia gairebé set anys després, el règim cubà el va abraçar com un màrtir del moviment, i la imatge de Korda del revolucionari vestit amb boina aviat es va convertir en el seu símbol més perdurable. En poc temps, "Guerriller" va ser apropiat per artistes, causes i admiradors de tot el món, apareixent en tot, des art de protesta fins a roba interior i refrescos. S'ha convertit en l'abreviatura cultural de la rebel·lió i en una de les imatges més recognoscibles i reproduïdes de tots els temps, amb la seva influència des de fa molt temps més enllà dels seus ulls d'acer. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #che #guerrilla Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 25 mar, 2019 a les 11:47 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Gota de la llet de la corona. Harold Edgerton, 1957 Abans que Harold Edgerton col·loqués un degotador de llet al costat d'un temporitzador i una càmera del seu propi invent, era virtualment impossible prendre una bona foto en la foscor sense un equip voluminós. Va ser igualment inútil intentar fotografiar un moment fugaç. Però en la dècada de 1950, en el seu laboratori del MIT, Edgerton va començar a jugar amb un procés que canviaria el futur de la fotografia. allà, el professor d'enginyeria electrònica va combinar llums estroboscòpics d'alta tecnologia amb motors de obturadors de cambra per capturar moments imperceptibles a simple vista. Gota de la llet de la corona, seva revolucionària fotografia de stop-motion, congela l'impacte d'una gota de llet sobre una taula, una corona de líquid perceptible per la càmera durant només un mil·lisegon. La fotografia va demostrar que la fotografia podia fer avançar la comprensió humana del món físic, i la tecnologia que Edgerton va usar per prendre-va establir les bases per al flaix electrònic modern. Edgerton va treballar durant anys per perfeccionar les seves fotografies de gotes de llet, moltes d'elles en blanc i negre; d'elles va ser presentada en la primera exposició de fotografia al Museu d'Art Modern de la ciutat de Nova York, al 1937. I mentre que l'home conegut com Doc va capturar altres moments, com l'explosió de globus i la perforació d'una poma amb una bala, la seva gota de llet segueix sent un exemple per excel·lència de la capacitat de la fotografia per fer art a partir de les proves. ____________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #milkdrop #coronet Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 26 mar, 2019 a les 11:44 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Dovima amb elefants, vestit de nit de Dior, Circ d'hivern, París. Richard Avedon, 1955 Quan Richard Avedon va fotografiar a Dovima en un circ de París en 1955 Al mercat de Harper, tots dos ja eren referents en els seus camps. Ella era una de les models més famoses del món, i ell era un dels fotògrafs de moda més famosos. Té sentit, llavors, que Dovima With Elephants sigui una de les fotografies de moda més famoses de tots els temps. Però la seva influència perdurable resideix tant en el que captura com en les dues persones que ho van fer. Dovima va ser una de les últimes grans models, quan l'alta costura era un món relativament exclusiu i elitista. Després de la dècada de 1950, les models van començar a orbitar cap als looks de les noies corrents en lloc de la bellesa inabastable de la vella generació, ajudant a convertir l'alta costura en entreteniment. Dovima With Elephants destil·la aquest canvi juxtaposant l'espectacle i la força dels elefants amb la bellesa de Dovima i la delicadesa del seu vestit, que va ser el primer vestit de Dior dissenyat per Yves Saint Laurent. La imatge també aporta moviment a un mitjà que abans estava caracteritzat per la quietud. Les models havien estat durant molt temps maniquins, destinades a romandre immòbils mentre els vestits rebien tota l'atenció. Avedon va veure el que estava malament en aquesta equació: el vestit no només feia a la persona; la persona també feia el vestit. I en treure a les models de l'estudi i col·locar-les en un escenari especial, va ajudar a desdibuixar la línia entre la fotografia de moda comercial i l'art. D'aquesta manera, Dovima With Elephants captura un punt d'inflexió en la nostra cultura més àmplia: l'última top model d'estil antic, presentant la moda d'una nova forma. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #avedon #fashion Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 27 mar, 2019 a les 11:19 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Carro-Nova Orleans. Robert Frank, 1955 . Les veritats incòmodes tendeixen a tenir conseqüències per a qui les explica. Quan es va publicar el llibre de Robert Frank The Americans, la revista Practical Photography va desestimar el treball del fotògraf suís com una col·lecció de “desenfocaments, grans, exposicions tèrboles, horitzons de borratxera i distraccions en general”. Les 83 imatges del llibre van ser preses mentre Frank travessava els Estats Units en diversos viatges per carretera a mitjans de la dècada de 1950, i van capturar un país a la cúspide del canvi: rígidament segregat però amb el moviment dels drets civils en moviment, arrelat a la tradició familiar i rural, però movent-se de cap en l'anonimat de la vida urbana. Enlloc aquesta tensió és més gran que en Trolley-New Orleans, un moment fugaç que transmet el brutal ordre social de l'Amèrica de la postguerra. la foto, presa unes setmanes abans que Rosa Parks es negués a cedir el seu seient en un autobús a Montgomery, Alabama, no va ser planejada. Frank estava fent una desfilada de carrer quan va veure passar el tramvia. girant al voltant, Frank va aixecar la seva càmera i va disparar just abans que el carret desaparegués de la vista. La foto va ser utilitzada en la portada de les primeres edicions de The Americans, alimentant la crítica que la feina era antiamericà. Per descomptat, Frank -que es va fer ciutadà nord-americà en 1963, cinc anys després de la publicació de The Americans- simplement va veure al seu país adoptiu com era, no com s'imaginava ser. Mig segle després, aquesta franquesa ha fet The Americans un monument a la fotografia documental i de carrer. L'estil solt i subjectiu de Frank va alliberar la forma de les convencions del fotoperiodisme establertes per la revista Life, que ell va descartar com “maleïdes històries amb un principi i un final”. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #segregation #racism Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 28 mar, 2019 a les 11:35 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Camelot. hy Peskin, 1953 Abans que poguessin convertir-se en la "jet", Estats Units necessitava donar a conèixer a John Fitzgerald Kennedy i Jacqueline Lee Bouvier. Aquesta presentació va arribar quan Hy Peskin va fotografiar a l'aposto polític i al seu radiant promesa durant un cap de setmana d'estiu a 1953. Peskin, un reconegut fotògraf esportiu, es va dirigir al port de Hyannis, Massachusetts, per invitació del patriarca familiar Joseph Kennedy. l'ambaixador, desitjós que el seu fill pugés com a figura nacional, va pensar que un article a les pàgines de LIFE fomentaria la fascinació per John, la seva bella núvia i una de les famílies més riques dels Estats Units. I això va ser exactament el que va fer. Peskin va crear una sèrie fotografies estil "un dia a la vida de…"titulada “El senador Kennedy surt de festeig”. Mentre Jackie s'enfurismava per la intrusió -la mare de John, Rose, fins i tot li va dir com posar-, ella va estar d'acord amb la posada en escena, i els lectors van poder observar a Jackie despentinant a “home més guapo i jove del Senat dels Estats Units”, jugant futbol i softbol amb els seus futurs sogres, i navegant a bord del vaixell de John, Victura. “Em van ficar en aquest vaixell prou com per sortir a la foto”, li va confiar més tard a una amiga. Va ser una fotografia perfecta, amb Kennedy a la portada de la revista de fotografia més llegida del món, interpretada com un playboy segur de si mateix preparat per dir adéu a la solteria. Uns mesos més tard Life cobriria les noces de la parella, i per llavors Amèrica ja estava captivada. En aquests temps d'Eisenhower i Nixon, Peskin va revelar el rostre de Camelot, un que va canviar la percepció de la política i dels polítics dels Estats Units, i va fer que John i Jackie es convertissin en la parella més famosa del planeta. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #jackie #jfk Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 29 mar, 2019 a les 10:51 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Country doctor. W. Eugene Smith, 1948 Tot i ser conegut per la seva fotografia bèl·lica, W. Eugene Smith va deixar la seva marca personal amb una sèrie d'assajos fotogràfics a mitjans del segle passat per a la revista LIFE. el fotògraf, nascut a Wichita, Kansas, va passar setmanes submergint-se en la vida dels seus pacients, des d'una infermera-llevadora de Carolina del Sud fins als residents d'un poble espanyol. El seu objectiu era veure el món des de la perspectiva dels seus pacients i obligar els espectadors a fer el mateix. “No busco posseir al meu pacient, sinó lliurar-me a ell”, va dir sobre el seu enfocament. Això va quedar genialmentre plasmat en el seu assaig fotogràfic “Country doctor”. Smith va passar 23 dies amb el Dr. Ernest Ceriani al voltant de Kremmling, Colorado, seguint al metge a través de la comunitat ramadera de 2.000 ànimes sota les Muntanyes Rocalloses. Ho va veure atendre nadons, posar injeccions en els seients del darrere de vehicles, desenvolupar les seves pròpies radiografies, tractar a un home amb un atac de cor i després trucar a un sacerdot per donar-li els últims ritus. Furgant tan profundament en la seva tasca, Smith va crear una visió singular, tancar completament, de la vida d'un home extraordinari. Es va convertir no només en l'assaig fotogràfic més influent de la història, sinó també en model a seguir. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #doctor #life Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 30 mar, 2019 a les 11:49 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

dalí Atòmic, Philippe Halsman, 1948 El propòsit vital de Philippe Halsman va ser capturar l'essència del que fotografiava. Així que quan es va disposar a fer-ho al pintor surrealista Salvador Dalí, el seu amic i col·laborador de tota la vida, va intuir que un retrat corrent no seria adequat. Inspirat en la pintura de Dalí Leda Atomica, Halsman va crear una elaborada escena per envoltar l'artista que incloïa l'obra original, una cadira flotant i un cavallet en procés suspès per fins filferros. els ajudants, entre els quals es trobaven l'esposa de Halsman i la seva filla petita Irene, van saltar del marc i van llançar tres gats i una galleda d'aigua a l'aire mentre Dalí saltava. van ser necessàries 26 preses per capturar la composició. I no és d'estranyar. El resultat final, publicat en LIFE, evoca l'obra de Dalí. L'artista fins i tot va pintar una imatge directament sobre la impressió abans de la seva publicació. abans de Halsman, la fotografia de retrat era sovint de tipus ziga-zaga i suaument borrosa, amb una clara sensació de distància entre el fotògraf i el subjecte. L'enfocament de Halsman, representa famós com Albert Einstein, Marilyn Monroe i Alfred Hitchcock mentre es movien davant la càmera, redefinir la fotografia de retrat i va inspirar a generacions de fotògrafs a col·laborar amb els seus subjectes. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #dali #surrealism Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 31 mar, 2019 a les 10:24 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Gandhi i la filosa. Margaret Bourke-Blanc, 1946 Quan els britànics van tenir a Mohandas Gandhi a la presó de Yeravda a Pune, Índia, de 1932 a 1933, el líder nacionalista va fer el seu propi fil amb una charkha, una filosa portàtil. La pràctica va evolucionar des d'un interès personal durant la captivitat fins a esdevenir pedra de toc de la campanya per la independència, amb Gandhi animant als seus compatriotes a fer les seves pròpies teles casolanes en lloc de comprar productes britànics. Quan Margaret Bourke-White va arribar al recinte de Gandhi per llegir un article de Life sobre els líders de l'Índia, la filosa estava tan lligada a la identitat de Gandhi que la seva secretària, Pyarelal Nayyar, li va dir a Bourke-White que havia d'aprendre l'ofici abans de fotografiar el líder. La foto de Bourke-White de Gandhi llegint les notícies costat del seu charkha mai va aparèixer en l'article pel qual va ser presa, però menys de dos anys després Life mostrava la foto de manera prominent en un obituari publicat després de l'assassinat de Gandhi. Aviat es va convertir en una imatge eterna, el màrtir de la desobediència civil amb el seu símbol més potent, i va ajudar a solidificar la percepció de Gandhi fora de l'Índia com un sant home de pau. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #gandhi #civilrights Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 1 abr, 2019 a les 10:37 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Dia de la Victòria a Times Square. Alfred Eisenstaedt, 1945 La fotografia captura fragments fugaços que cristal·litzen l'esperança, l'angoixa, la meravella i l'alegria de viure. Alfred Eisenstaedt, un dels quatre primers fotògrafs contractats per la revista LIFE, va fer de la seva missió “trobar i captar el moment d'explicar històries”. No va haver d'anar molt lluny quan la Segona Guerra Mundial va acabar el 14 agost 1945. Prenent l'ambient als carrers de la ciutat de Nova York, Eisenstaedt aviat es va trobar en l'alegre tumult de Times Square. Mentre buscava temes, un mariner davant d'ell va agafar a una infermera, la va inclinar cap enrere i la va besar. La fotografia de Eisenstaedt d'aquesta baixada apassionada destil·la l'alleujament i la promesa d'aquest dia transcendental en un sol moment d'alegria desenfrenada (encara que alguns argumenten avui que hauria de ser vist com un cas d'agressió sexual). La seva bella imatge s'ha convertit en el quadre més famós i reproduït amb freqüència del segle XX, i constitueix la base de la nostra memòria col·lectiva d'aquest moment transformador de la història mundial. Eisenstaedt va dir "La gent em diu que quan estigui al cel recordaran aquesta foto”. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #thekiss #timessquare Segueix en Aquestes històries #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 2 abr, 2019 a les 11:04 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

el crític. Weegee, 1943 Arthur Fellig tenia una visió àcida de la injustícia de la vida. Un immigrant austríac que va créixer en les fanganosas carrers del Lower East Side de la ciutat de Nova York, Fellig es va donar a conèixer com Weegee -una versió fonètica de Ouija- per la seva habilitat innata per prendre la foto perfecta. Sovint es tractava d'imatges de crims, tragèdies i dels habitants de la Nova York noctàmbula. Al 1943, Weegee va posar el flaix encegador de la seva càmera Speed ​​Graphic sobre les desigualtats socials i econòmiques que persistien després de la Gran Depressió. Va enviar al seu ajudant, Louie Liotta, a un antre de Bowery a la recerca d'una dona borratxa. Va trobar a una disposada i la va portar al Metropolitan Opera House. Després Liotta la va instal·lar prop de l'entrada mentre Weegee esperava l'arribada de la Sra. Washington Kavanaugh I Lady decies, dues dones adinerades que freqüentaven les columnes de societat. Quan la gent del carrer va arribar a l'òpera, Weegee li va donar el senyal a Liotta perquè deixés anar a la dona borratxa. “Va ser com una explosió”, va recordar Liotta. “Vaig pensar que em vaig quedar cec per les tres o quatre exposicions del flaix.” Amb aquest flaix, Weegee va capturar la crua juxtaposició de fabulosa riquesa i pobresa extrema, en un estil que va anticipar l'atractiu comercial dels paparazzi dècades després. La foto va aparèixer en Life sota el títol “Les persones de moda” (La gent a la moda), i la peça permetia als lectors saber com la “entrada” de les dones era vista amb disgust per un espectador. El fet que més tard es revelés que The Critic havia estat un muntatge planificat no va contribuir a atenuar la seva influència. _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #weegee #richandpoor ​​Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 3 abr, 2019 a les 10:55 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Betty Grable. Frank lenta, 1943 Helena de Troia, la mítica semidiosa grega que va desencadenar la Guerra de Troia, no tenia res a veure amb Betty Grable de St. Louis. Aquesta estrella de Hollywood, rossa platí i d'ulls blaus, tenia unes cames que inspiraven a soldats, mariners, aviadors i marines nord-americans per salvar la civilització dels països de l'eix del mal. I a diferència d'Helena de Troia, Betty representava a una noia de carn i ossos mantenint el foc encès de la llar. Frank Powolny va portar a Betty a les tropes per accident. El fotògraf 20th Century Fox, estava fent fotos publicitàries de l'actriu de la pel·lícula de 1943 Sweet Rosie O'Grady quan va acceptar un retrat del darrere. L'estudi va convertir aquesta pose en una de les primeres Pinups, i aviat les tropes van sol·licitar 50.000 còpies cada mes. Els homes van portar a Betty a on sigui que anaven, pegant seu pòster a les parets dels barracons, pintant en bucs de bombarders i col·locant còpies d'ella al costat dels seus cors. Abans de Marilyn Monroe, el somriure i les cames de Betty -va dir estar assegurada per un milió de dòlars amb Lloyd 's de Londres- congregar a un gran nombre de joves amb enyorança en la lluita de les seves vides (incloent a un jove Hugh Hefner, qui la va citar com una inspiració per a Playboy). “He de ser la filla d'un soldat”, va dir Grable, que va signar centenars de les seves Pinups cada mes durant la guerra. “Així com això ha de ser una guerra de soldats.” _________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #pinups #BettyGrable Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 4 abr, 2019 a les 11:05 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

llengua Einstein. Arthur Sasse, 1951 Per al rotatiu The Guardian, aquesta “possiblement és una de les fotografies de premsa més conegudes de qualsevol personalitat del segle XX” va ser presa el 14 de març de 1951, el dia de l'aniversari d'Albert Einstein. El científic estava sortint de la seva festa de la seva 72 aniversari a la Universitat de Princeton, que havia estat plena de fotògrafs, i estava comprensiblement cansat de somriure tota la nit. Quan va abandonar l'esdeveniment i va pujar al seient del darrere d'un cotxe entre el Dr. Frank Aydelotte i la seva dona Marie Jeanette, una altra multitud de reporters i fotògrafs va avançar. Einstein no estava d'humor per seguir somrient. Segons la llegenda, cridar: Ja n'hi ha prou! Però no el van escoltar. per l'exasperació – i potser una mica de rancor – Einstein va treure la llengua a la multitud, i després es va tornar immediatament. Arthur Sasse de UPI va tenir la sort de capturar el tret en fraccions de segon. A Einstein li va encantar la foto que Sasse va prendre i li va demanar a UPI nou còpies que va utilitzar com targetes de felicitació personals. La majoria d'elles van ser retallades per incloure només el seu rostre, creant la imatge icònica que tots coneixem avui dia. una còpia, però, romandre tal qual, i la va signar per un reporter. Al 2017, aquesta foto es va vendre en una subhasta per la barbaritat de 125.000 dòlars. ______________________ #bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #einstein #tongue Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 5 abr, 2019 a les 11:15 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

mare migrant. Dorothea Lange, 1936 La frase preferida de la fotògrafa documental Dorothea Lange era “Una càmera és una eina per aprendre a veure sense una càmera”. I potser ningú va fer més per revelar les conseqüències de la Gran Depressió que Lange, que va néixer a 1895. Les seves fotografies van aportar una mirada inquietant -i profundament humana- a les lluites dels agricultors desplaçats, els treballadors migrants, els parcers i altres en el fons de l'economia agrícola nord-americana a mesura que trontollava al llarg de la dècada de 1930. La seva foto més famosa és “mare Migrant”. presa en 1936 en un campament ple de recol·lectors de pèsols desocupats en Nipomo, Califòrnia, la imatge mostra a Florence Owen Thompson, una treballadora agrícola flanquejada per dos dels seus set fills, mentre que un tercer, un bebè embolicat en arpillera, descansa sobre la seva falda. La pluja gelada havia destruït el cultiu de pèsols. Thompson i els seus fills havien estat vivint de menjar verdures congelades dels camps circumdants, i d'aus que els nens mataven. segons Lange, acabava de vendre els pneumàtics del seu cotxe per comprar menjar. ___________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #hunger #humanity Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 6 abr, 2019 a les 10:48 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Winston Churchill. Yousuf Karsh, 1941 Gran Bretanya se sentia sola a 1941. En aquells dies Polònia, França i gran part d'Europa havien caigut en mans de les forces nazis, i només els petits pilots, soldats i mariners de la nació, juntament amb els de la Commonwealth, es mantenien en la foscor. Winston Churchill estava decidit a que la llum d'Anglaterra continués brillant. Al desembre de 1941, poc després que els japonesos ataquessin Pearl Harbor i Estats Units fora arrossegat a la guerra, Churchill va visitar el Parlament a Ottawa per agrair a Canadà i als Aliats per la seva ajuda. Churchill no sabia que Yousuf Karsh havia estat l'encarregat de fer el seu retrat després, i quan va sortir i va veure al fotògraf canadenc nascut a Turquia, exigir saber: “Per què no es em va dir?” Churchill va encendre una cigarreta, el va bufar i li va dir al fotògraf: “Pots agafar un”. Mentre Karsh es preparava, Churchill es va negar a deixar el cigar. Així que una vegada que Karsh es va assegurar que tot estigués a punt, es va acostar al Primer Ministre i li va dir: “perdoneu, senyor”, i li va arrencar el pur de la boca a Churchill. “Per quan vaig tornar a la meva càmera, semblava tan bel·ligerant que podria haver-me devorat. Va ser en aquest instant quan vaig prendre la fotografia”. sempre diplomàtic, Churchill va somriure i va dir: “Pots prendre un altre” i va estrènyer la mà de Karsh, dient-li: “Fins pots fer que un lleó rugent es quedi quiet per ser fotografiat”. El resultat de la "doma del lleó" de Karsh és una de les imatges més àmpliament reproduïdes en la història i una fita en l'art del retrat polític. Va ser la foto d'Karsh Churchill amb cara de Bulldog -publicada primer en el diari nord-americà PM i finalment a la portada de LIFE- la qual va donar el tret de sortida als fotògrafs moderns per fer retrats honestos, fins i tot crítics, dels nostres líders. ______________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #churchill #portrait Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 7 abr, 2019 a les 10:20 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

El desastre de l'Hindenburg. Sam Shere, 1937 Els zepelins eren naus majestuoses, luxosos gegants signe de riquesa i poder. L'arribada d'aquestes naus va ser notícia, per la qual cosa Sam Shere, del servei International News Photos, esperava sota la pluja a l'estació aèria naval de Lakehurst, Nova Jersey, 6 de maig de 1937, al fet que la LZ 129 Hindenburg, de 804 peus de llarg, arribés de Frankfurt. De sobte, mentre els mitjans de comunicació reunits observaven, l'hidrogen inflamable de la gran nau es va incendiar, fent que esclatés espectacularment en flames grogues brillants i matés 36 persones. Shere era un de les gairebé dues dotzenes de fotògrafs de premsa que es van afanyar a documentar la ràpida tragèdia. Però és la seva imatge, amb la seva crua immediatesa i la seva horrible grandesa, la qual ha perdurat com la més famosa, gràcies a la seva publicació en portades de tot el món i en LIFE i, més de tres dècades després, al seu ús a la portada del primer àlbum de Led Zeppelin. L'accident va contribuir a tancar l'era de les aeronaus, i la poderosa fotografia de Shere d'un dels primers desastres aeris més espectaculars del món persisteix com un recordatori cautelar de com errors humans poden portar a la mort ia la destrucció. Gairebé tan famosa com la foto de Shere és la veu angoixada del locutor de ràdio de Chicago Herbert Morrison, que plorava mentre veia la gent caure en l'aire: “Està cremant en flames….”. Això és terrible. Aquesta és una de les pitjors catàstrofes del món…. Oh, la humanitat!” ________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #zeppelin #Hindenburg Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 8 abr, 2019 a les 11:01 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

El monstre del Llac Ness. fotògraf desconegut, 1934 Si la girafa no existís, hauríem d'inventar. És la nostra naturalesa avorrir amb l'improbable però real i buscar l'impossible. El mateix succeeix amb la foto del monstre del Llac Ness, suposadament presa pel metge britànic Robert Wilson a l'abril de 1934. Wilson, però, simplement havia estat reclutat per encobrir un frau anterior pel caçador de jocs salvatges Marmaduke Wetherell, qui havia estat enviat a Escòcia pel Daily Mail de Londres per atrapar el monstre. En no haver-hi cap monstre que descobrir, Wetherell va portar a casa fotos de petjades de hipopòtams que, segons ell, pertanyien a Nessie. El diari Mail va atrapar al savi i desacreditat Wetherell, qui després va tornar al llac amb un monstre fet d'un submarí de joguina. Ell i el seu fill van usar a Wilson, un metge respectat, per donar-li credibilitat a l'engany. El Mail perdura; la reputació de Wilson no. La imatge del Llac Ness és una espècie de pedra angular per als teòrics de la conspiració i els cercadors de rondalles, de la mateixa manera que la imatge absolutament autèntica de la famosa cara a Mart presa per la sonda Viking a 1976. L'emoció d'aquesta troballa va durar només fins 1998, quan el Mars Global Surveyor va demostrar que la cara era, com va dir la NASA, una formació topogràfica, 1 que en aquest moment havia estat gairebé arrossegada pel vent. Érem innocents en aquests dolços dies anteriors al Photoshop. Ara investiguem, i som més desconfiats. L'art de la falsificació ha avançat, però el seu encant, com el de la cara de Mart, ha desaparegut. ________________________ # time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #LochNess #Nessie Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 9 abr, 2019 a les 10:08 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

La noia afganesa. Steve McCurry, 1984 Steve McCurry és un fotoperiodista nord-americà que ha treballat per National Geographic i ha guanyat innombrables premis per la cobertura de diverses guerres al llarg de la història. Però només una de les seves imatges ha merescut una pàgina a la Viquipèdia. La seva portada de National Geographic és la imatge és d'una adolescent d'ulls verds amb mocador vermell mirant intensament a la càmera. La seva identitat no es coneixia inicialment, però a principis de 2002 va ser identificada com Sharbat Gula. Era una nena afganesa que vivia al camp de refugiats de Nasir Bagh al Pakistan durant l'època de l'ocupació soviètica de l'Afganistan quan va ser fotografiada. Els pares de Gula van morir durant el bombardeig de la Unió Soviètica a l'Afganistan quan ella tenia uns sis anys en el seu llogaret a l'est de Nangarhar. El 26 d'octubre de 2016, Gula i els seus tres fills van ser detinguts al Pakistan per l'Agència Federal d'Investigació per viure al país utilitzant documents falsos. Va ser sentenciada a quinze dies de detenció i deportada al Afganistan. La decisió va ser criticada per Amnistia Internacional. una de Kabul, Gula i els seus fills van ser rebuts pel president Ashraf Ghani al palau presidencial. El govern va prometre donar-li suport financerament, i al desembre de 2017, Gula va rebre una residència a Kabul perquè ella i els seus fills poguessin viure-hi. Possiblement mai hagués rebut aquesta ajuda sense aquesta fotografia i aquest relat que va agitar consciències a tot el món. S'ha comparat aquesta imatge amb el quadre de Leonardo da Vinci de la Mona Lisa i s'ha anomenat “la primera Mona Lisa del Tercer Món”. La imatge s'ha convertit en emblemàtica d'una persona refugiada situada en algun camp llunyà, mereixedora de l'atenció i compassió de qui observi la imatge. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #afghangirl #refugee Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 10 abr, 2019 a les 10:44 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

El patiment de la llum. Alex Webb, 1979 Com una obra de Dalí, contemplar aquesta fotografia de lluny o de prop ens ofereix realitats diferents. de lluny, és una imatge idíl·lica del que podria ser una família d'agricultors en un camp. de prop, veiem un grup de ciutadans mexicans arrestats mentre intentaven creuar la frontera amb els Estats Units a San Ysidro, Califòrnia, EUA. El patiment de la llum (El patiment de la llum) és un llibre, la primera monografia completa que traça la carrera de l'aclamat fotògraf nord-americà Alex Webb. Reunint algunes de les seves imatges més icòniques, moltes de les quals van ser preses en els racons més llunyans de la terra. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #inmigration #borders Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 11 abr, 2019 a les 10:57 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Dinar a la part alta d'un gratacels. fotògraf desconegut, 1932 És la pausa per dinar més perillosa i juganera que mai s'hagi capturat: 11 homes menjant, xerrant i fumant d'amagat com si no estiguessin a 250 metres per sobre de Manhattan amb res més que una biga prima mantenint-los a la part alta. Aquesta comoditat és real; eren els treballadors de la construcció que van ajudar a construir el Rockefeller Center. Però la foto, presa al pis 69 de l'edifici insígnia de la RCA (ara l'edifici GE), va ser posada en escena com a part d'una campanya promocional per l'enorme complex de gratacels. Mentre que el fotògraf i les identitats de la majoria dels subjectes segueixen sent un misteri -els fotògrafs Charles C. Ebbets, Thomas Kelley i William Leftwich estar tots presents aquell dia, i no se sap qui els tomó-, no hi ha un ferreter a la ciutat de Nova York que no vegi la foto com una insígnia de la seva audaç tribu. D'aquesta manera no estan sols. A l'burlar tant del perill com de la depressió, "Lunch atop a Skyscraper" es va convertir en un símbol de la resistència i l'ambició nord-americans en un moment en què tots dos eren desesperadament necessaris. Des de llavors s'ha convertit en un emblema icònic de la ciutat en la qual va ser presa, afirmant la creença romàntica que Nova York és un lloc sense por a abordar projectes que acobardarían a les ciutats menys descarades. I com tots els símbols d'una ciutat construïda sobre l'enrenou, "Lunch atop a Skyscraper" ha generat la seva pròpia economia. És la imatge més reproduïda de l'agència fotogràfica Corbis. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #lunch #rca Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 13 abr, 2019 a les 12:53 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

senyals. John Stanmeyer, 2014 Emigrants africans a la costa de la ciutat de Djibouti aixequen els seus telèfons a la nit en un intent de captar senyal de la veïna Somàlia, 1 tènue vincle amb familiars a l'estranger. Aquesta foto de John Stanmeyer, nascut a Illinois, membre fundador de l'VII agència de fotografia, Va guanyar el premi World Press Photo de l'Any 2014. És una escena que literalment no va poder haver ocorregut fa uns anys; una lluna brillant il·lumina els subjectes que intenten establir contacte sense fil amb familiars a l'estranger. “És una foto que està relacionada amb tantes altres històries”, Va dir Jillian Edelstein, membre del jurat i fotògrafa de World Press Photo. “Obre debat sobre tecnologia, globalització, migració, pobresa, desesperació, alienació, humanitat.” Stanmeyer ha rebut nombrosos honors, incloent el prestigiós premi Robert Capa (Club de Premsa Estrangera), Fotograf de l'Any (POYi), i nombrosos premis de la Premsa Mundial, Pel·lícula de l'Any i NPPA. Al 2008, el seu reportatge de National Geographic sobre la malària mundial va rebre el premi National Magazine Award, i en 2012 va ser nominat per a un Emmy amb la VII sèrie de documentals, “Famolencs d'atenció”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #worldpressphoto #signal Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 13 abr, 2019 a les 10:32 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Darrere de l'estació de Saint-Lazare. Henri Cartier-Bresson, 1932 La velocitat i l'instint eren al cor de la brillantor d'Henri Cartier-Bresson com a fotògraf. I mai els va combinar millor que el dia en què, al 1932, apuntar amb la seva càmera Leica a través d'una tanca darrere de l'estació de tren de Saint-Lazare a París. La imatge resultant és una obra mestra de forma i llum. Mentre un home salta sobre l'aigua, evocant els ballarins en un cartell a la paret darrere d'ell, les ones al bassal al voltant de l'escala imiten les peces de metall corbades properes. Cartier-Bresson, disparant amb una àgil càmera de 35 mil·límetres i sense flash, va veure que tots aquests components s'unien durant un breu moment i va pressionar el seu obturador. El temps ho és tot, i cap altre fotògraf entenia tan bé aquesta idea. La imatge es convertiria en l'exemple per excel·lència del “moment decisiu” Cartier-Bresson, seu terme líric per la capacitat d'immortalitzar una escena fugaç en el cinema. Era un estil ràpid, mòbil, obsessionat amb els detalls que ajudaria a traçar el rumb de tota la fotografia moderna. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #speed #moment Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 14 abr, 2019 a les 10:45 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Un avantatge de l'Antàrtida. Daniel Berehulak, 2015 el Dr. Ernesto Molina, recolzat per l'Institut Antàrtic Xilè, camina per la base antàrtica russa de Bellingshausen, amb la seva Església Ortodoxa de la Santíssima Trinitat, a la badia de Fildes. diversos països, entre ells Xile, Polònia i Rússia, han establert estacions científiques a l'illa Rei Jordi a l'Antàrtida. Pel Tractat Antàrtic, que va entrar en vigor a 1961, l'Antàrtida es va deixar de costat com a reserva científica, amb llibertat d'investigació i lliure intercanvi intel·lectual. Cap país pot explotar els recursos minerals ni exercir pretensions territorials. El tractat està actualment en vigor fins 2048, però alguns països tenen la intenció d'exercir una major influència abans de la data de renovació. Alguns estan observant les possibilitats estratègiques i comercials que existeixen en l'actualitat, com la recol·lecció d'iceberg (s'estima que l'Antàrtida té les majors reserves d'aigua dolça del planeta), la pesca de krill i l'expansió de la capacitat de navegació global. Aquesta fotografia de l'australià Daniel Berehulak (Noticies de Nova York) va aconseguir el 1r premi en històries de la vida diària del World Press Photo 2016 ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #antarctic #worldpressphoto Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 15 abr, 2019 a les 10:45 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

l'Haia. Erich Salomon, 1930 Diversos ministres es reuneixen per decidir el destí de les nacions amb evidents senyals de cansament, entre cigars i conyac. Aquest tipus de situacions sempre havien estat ocultes a mirades indiscretes. El fotoperiodista alemany Erich Salomon va posar fi a aquesta discreció, movent-se entre sales carregades de fum amb una petita càmera Leica construïda per disparar amb poca llum. En cap altre lloc va exhibir tant la seva habilitat com en una reunió de 1930 a l'Haia sobre les compensacions d'Alemanya pels danys causats en la Primera Guerra Mundial. allà, a les dues de la matinada, la càmera de Salomon va captar fidelment als exhausts ministres d'Afers Exteriors després d'un llarg dia de negociacions. La imatge va causar sensació quan va ser publicada al London Graphic. Per primera vegada, el públic podia mirar a través de l'espiell del poder i veure els líders mundials amb la guàrdia baixa. Salomon, que va morir al camp d'extermini d'Auschwitz 12 anys més tard, havia establert les bases del fotoperiodisme polític entre bastidors. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #backstage #power Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 16 abr, 2019 a les 10:45 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Notre Dame. Lee Miller (voga), 1944 · · · Joves francesos pujant a barricades de sacs de sorra a prop de Notre-Dame, a París, durant la Segona Guerra Mundial. Fotografia de Lee Miller, voga, octubre de 1944. La nostra-Senyora ha estat un símbol de la bellesa i la història de París durant generacions. Fa tres dies, l'agulla icònica de la catedral es va incendiar i finalment es va ensorrar. Tot i que la causa encara no està clara, les autoritats haurien dit que podria estar relacionada amb les obres de renovació del lloc històric. Les multituds es van congregar als carrers i ponts de París per observar i plorar el desplegament d'uns 400 bombers a la catedral per treballar en la contenció de les flames. #@voguemagazine repost. Gràcies @cristinatrullen per l'enllaç. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #notredame #power Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 17 abr, 2019 a les 11:11 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Abraham Lincoln. Mathew Brady, 1860 Abraham Lincoln era un congressista d'Illinois poc conegut amb aspiracions nacionals quan va arribar a la ciutat de Nova York al febrer de 1860 per parlar a la Cooper Union. El discurs havia de ser perfecte, però Lincoln també sabia la importància de la imatge. Abans de pujar al podi, es va aturar en l'estudi fotogràfic de Mathew B. Brady a Broadway. el retratista, que havia fotografiat a tots, des Edgar Allan Poe fins James Fenimore Cooper, i que faria una crònica de la propera Guerra Civil, sabia alguna cosa sobre la importància del primer impacte. Va col·locar al desmanegat Lincoln en una postura d'home d'Estat, va prémer el coll de la seva camisa per ocultar el seu llarg coll i va retocar la imatge per millorar el seu aspecte. En un clic de un obturador, Brady va dissipar el que Lincoln va dir que eren “rumors de la meva llarga i desmanegada figura…. convertint-me en un home d'aspecte humà i port digne”. En capturar els trets juvenils de Lincoln abans que els estralls de la Guerra Civil li gravessin la cara amb les tensions del Despatx Oval, Brady el va presentar com un candidat tranquil. La posterior xerrada de Lincoln davant d'una audiència de 1.500 persones, majoritàriament republicana, va ser un èxit rotund, i la foto de Brady sobte va aparèixer en publicacions com Harper 's Weekly i en cartells electorals, el que la converteix en l'exemple més poderós d'una foto utilitzada com a propaganda de campanya. A mesura que el retrat es va estendre, va impulsar a Lincoln des de la vora de la grandesa fins a la Casa Blanca, on va conservar la Unió i va posar fi a l'esclavitud. Com Lincoln va admetre més tard, “Brady i el discurs de Cooper Union em van fer President dels Estats Units”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #Lincoln #portrait Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 18 abr, 2019 a les 10:27 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Kuwait, un desert en flames. Sebastião Salgado, 1991 La guerra Iraq-Kuwait no només va deixar víctimes mortals -que són les que de veritat importen- sinó també produir una altra catàstrofe entre gener i febrer de 1991, mentre la coalició liderada pels Estats Units expulsava a les forces iraquianes de Kuwait. Les tropes de Saddam Hussein responien creant un infern. Van incendiar uns 700 pous petrolífers i un nombre indeterminat de zones inundades de petroli que aviat van cremar de manera virulenta i es van estendre, provocant una de les majors catàstrofes mediambientals que es recorden. Mentre els desesperats esforços per contenir i extingir l'incendi anaven progressant, el fotògraf Sebastião Salgado que es trobava casualment a Veneçuela fotografiant la seva immensa indústria petrolífera, s'assabenta que estaven cremant els pous i llavors va viatjar a Kuwait per ser testimoni directe de la crisi. Quant es va adonar que les forces de l'aliança van entrar en sòl kuwaitià visionar que la història "real" d'aquell moment anava a estar en aquells camps petrolífers. Salgado no estava preparat per al que s'anava a trobar: equips de deu homes tenyits de negre pel petroli treballant metòdicament en unes condicions que eren insuportables. La calor era tan forta que la lent més petita se li va deformar i el soroll constant dels pous també era tan intens que només podien comunicar els treballadors cridant mútuament a cau d'orella. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #salgado #kuwait Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 19 abr, 2019 a les 10:22 PDT

 

Veure aquesta publicació a Instagram

 

Dona amb una flor. Marc Riboud, 1967 El 21 d'octubre de 1967, gairebé 100.000 persones van marxar a Washington, D.C.. per manifestar-se pacíficament al voltant dels edificis del Pentàgon en protesta contra la guerra del Vietnam. En fotògraf de l'agència Magnum, Marc Riboud, va documentar la marxa. L'última imatge que va capturar va ser el de Jan Rose Kasmir, de 17 anys, mentre sostenia una flor de crisantem davant d'una filera de soldats de la Guàrdia Nacional que portaven baionetes. Kasmir no era conscient de la fotografia que s'estava prenent en aquest moment, però la imatge ha arribat a representar la valentia i el poder de la protesta pacífica. En una entrevista a The Guardian a 2015, Jan Rose Kasmir va dir: “No va ser fins que vaig veure l'impacte d'aquesta fotografia que em vaig adonar que no era només una bogeria momentània, sinó que estava defensant una cosa important”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #vietnam #peace Segueix aquestes històries en #GRelatos

Una publicació compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) 20 abr, 2019 a les 9:46 PDT

Camera image by David MacFarlane on Shutterstock.com

• Quant a mi
• entrades recents

Quant a mi Guillem Recolons

Convençut que tot deixa marca, ajudo a empreses a connectar millor amb els seus stakeholders a través de programes de personal branding (gestió de marca personal) i employee advocacy (programes d'ambaixadors interns de marca).

Soci d'Integra Personal Branding i de Soymimarca, també col·laboro amb Ponte en Valor, Brandergizers, MoreThanLaw, Noema Consulting, Resultats AdQualis humans i Quifer consultores.

Com a docent, participo en el Postgrau en Social Media de UPF i el de la UVIC, en diversos programes de l'IESE i ISDI, entre altres. Publicitari col·legiat, Màster en Màrqueting. Estudiant del grau d'Humanitats.

El meu ADN publicitari ve de 20 anys en agències: Tiempo / BBDO, J.W.T., Bassat Ogilvy, Saatchi & Saatchi, Altraforma i TVLowCost entre altres.

Vols veure el meu TEDx talk?

Visita el meu lloc web

• Edelman Trust 2020: L'ètica i la competpencia són la clau de la confiança - 15 febrer, 2020
• Diagnòstic de marca personal 1: Retroalimentació externa - 9 febrer, 2020
• Per què necessites gestionar la teva marca personal - 2 febrer, 2020

Veure totes les meves publicacions