Entradas

Nuestra historia vista por las mejores cámaras: 51 #GRelatos

Hoy no hablo de marca personal, pero sí de relatos e imágenes que nos han dejado una marca eterna. Las he bautizado como #GRelatos, utilizando mis iniciales para que sean más fácilmente encontrables.

Te presento la serie #GRelatos

#GRelatos es la unión de dos pasiones personales, la fotografía y el relato histórico. Crecí con un laboratorio dentro de casa, donde revelaba y ampliaba mis propias fotografías. Mi primer trabajo “oficial” fue a los 16 en la agencia Tiempo BBDO como ayudante de laboratorio. Llegué a trabajar con una pequeña joya, la Hasselblad 2000FC de 6x6mm. No era mía, claro, yo entonces no me hubiera podido permitir ni siquiera alquilarla por un día. Pertenecía a la extinguida agencia MassMedia Marketing y Publicidad, de Jordi Argenter Giralt, mi tío “MadMen”.

Y siempre me ha gustado el relato histórico. Especialmente tras la invención de la fotografía, donde la realidad se impone (aunque no siempre) a la ficción de los grandes maestros de la pintura o la escultura.

#GRelatos es una serie, mi pequeño homenaje a los mejores fotógrafos de la historia, y especialmente a las narraciones de sus fotografías. Todo el mundo ha visto la fotografía de Albert Einstein sacando la lengua. Pocos saben que estaba enfadado y cansado, que se burlaba de los foto-periodistas que le acosaban el día de su aniversario, y menos han visto la foto completa del genio en el interior de un automóvil junto al Dr. Frank Aydelotte y su esposa Marie Jeanette.

Es mejor breve que sin relato

Reconozco que estamos en un tiempo donde la economía de la atención demanda impactos rápidos. #GRelatos son relatos breves, una imagen y apenas dos párrafos de narración. Muchas de las fotografías que elijo, que, por supuesto, no son mías, son conocidas por muchos, pero no así los contextos ni las consecuencias de lo que sucedió antes, durante, y tras el disparo de la cámara.

Algunos pueden pensar que se trata de relatos superficiales, pero más vale breve que inexistente. Me decidí por un formato arriesgado: publicar esos relatos en una red social que no es mía. Quizás con eso esté acentuando esa fugacidad del momento que ya pasó, de la fotografía como testigo insustituible de lo que aconteció. Publicando en una red social como Instagram me expongo al capricho de Zuckerberg o a que un Parlamento anacrónico como el europeo me prohíba compartir imágenes que han hecho historia por una estúpida cuestión burocrática.

Un homenaje a los mejores fotógrafos

Este es un homenaje a los mejores. Desde foto-periodistas hasta fotógrafos de moda, pasando por algunos cuyo nombre ha permanecido oculto por las dictaduras de este mundo enfermo. Pero sobre todo, es un homenaje a la aparente facilidad de estos profesionales para explicarnos las cosas con el abrir y cerrar de un obturador.

Aquí plasmo las primeras 51 publicaciones, pero amenazo en que esto seguirá, a ritmo de unos siete #GRelatos por semana.

51 #GRelatos

Ahí va eso. Espero que te guste. Si quieres seguir los próximos, sigue el hashtag #GRelatos en Instagram.

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The pilow flight. Harry Benson, 1964. Harry Benson no quería conocer a los Beatles. El fotógrafo nacido en Glasgow tenía previsto cubrir una noticia en África cuando se le asignó la tarea de fotografiar a los músicos en París. “Me tomé por un periodista serio y no quería cubrir una historia de rock’n’ roll”, se mofó. Pero una vez que conoció a los chicos de Liverpool y los escuchó tocar, Benson no quiso irse. “Pensé:’Dios, estoy en el lugar perfecto'”. “Los Beatles estaban en la cúspide de la grandeza, y Benson estaba en medio de ella. Su foto de pelea de almohadas, tomada en el lujoso George V Hotel la noche que la banda descubrió que “I Want to Hold Your Hand” era el número 1 en los Estados Unidos, congela a John, Paul, George y Ringo en una exuberante cascada de talento juvenil, y quizás su último momento de desenfrenada inocencia. Captura la alegría, la felicidad y el optimismo que se abrazaría como Beatlemania y que ayudó a levantar la moral de Estados Unidos sólo 11 semanas después del asesinato de John F. Kennedy. Al mes siguiente, Benson acompañó a los Fab Four en su viaje a la ciudad de Nueva York para aparecer en The Ed Sullivan Show, dando inicio a la invasión británica. El viaje condujo a décadas de colaboración con el grupo y, como Benson recordó más tarde, “estuve tan cerca de no estar allí”. ____________________________ #time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #thebeatles Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

El saludo “Black power”. John Dominis 1968 Los Juegos Olímpicos están destinados a ser una celebración de la unidad global. Pero cuando los velocistas estadounidenses Tommie Smith y John Carlos subieron a la tribuna de medallas en los Juegos de 1968 en la Ciudad de México, estaban decididos a hacer añicos la ilusión de que todo estaba bien en el mundo. Justo antes de que “The Star-Spangled Banner” empezara a sonar, Smith, el medallista de oro, y Carlos, el ganador de bronce, inclinaron sus cabezas y levantaron los puños con guantes negros en el aire. Su mensaje no podría haber sido más claro: Antes de saludar a América, América debe tratar a los negros como iguales. “Sabíamos que lo que íbamos a hacer era mucho mayor que cualquier hazaña atlética”, dijo Carlos más tarde. John Dominis, un fotógrafo de disparo rápido conocido por capturar momentos inesperados, hizo un primer plano que reveló otra capa: Smith con calcetines negros, sin zapatos para correr, en un gesto que simboliza la pobreza de los negros. Publicada en vida, la imagen de Dominis convirtió la sombría protesta en un emblema icónico de la turbulenta década de los 60 ___________________________ #time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #blackpower Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Windblown Jackie. Ron Galella, 1971 La gente simplemente no se cansaba de Jacqueline Kennedy Onassis, la guapa viuda del Presidente asesinado que se casó con un magnate naviero griego fabulosamente rico. Era una figura pública con una vida privada muy vigilada, lo que la convertía en un blanco privilegiado para los fotógrafos que la seguían a todas partes. Y ninguno se dedicó tanto a capturar a la ex Primera Dama como Ron Galella. Uno de los paparazzi de celebridades, Galella creó el modelo de hoy con un estilo de seguimiento y emboscada que atrapó a todo el mundo, desde Michael Jackson y Sophia Loren hasta Marlon Brando, quien estaba tan resentido con la atención de Galella que le arrancó cinco de los dientes al fotógrafo. Pero el tema favorito de Galella era Jackie O., a quien disparó hasta el punto de obsesionarse. Fue la fijación implacable de Galella lo que lo llevó a subirse a un taxi y seguir a Onassis después de que la viera en el Upper East Side de la ciudad de Nueva York en octubre de 1971. El conductor tocó la bocina y Galella hizo clic en el obturador justo cuando Onassis se giró para mirar en su dirección. “No creo que ella supiera que fui yo”, recordó. “Por eso sonrió un poco.” El cuadro, que Galella llamó con orgullo “mi Mona Lisa”, irradia la espontaneidad desprotegida que marca una gran foto de celebridades. “Era la fotografía icónica de la aristocracia de las celebridades estadounidenses y creó un género”, dice el escritor Michael Gross. La imagen también puso a prueba la borrosa línea entre la recolección de noticias y los derechos personales de una figura pública. Jackie, a quien le molestaba la atención constante, llevó dos veces a Galella a la corte y finalmente le prohibió fotografiar a su familia. _____________________________ #time100bestphotos #storytelling #photo #historyphoto #paparazzi Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Untitled Film Still #21. Cindy Sherman, 1978 Desde que irrumpió en la escena artística a finales de la década de 1970, la Cindy Sherman persona siempre ha permanecido oculta por la Cindy Sherman objeto. A través de autorretratos ingeniosos y deliberadamente confusos tomados en circunstancias familiares pero artificiales, Sherman introdujo la fotografía como arte de performance postmoderno. De su serie Untitled Film Stills, #21 (“City Girl”) recuerda un fotograma de una película de serie B o una escena de apertura de un programa de televisión antiguo. Sin embargo, las imágenes son enteramente creaciones de Sherman, lo que coloca al espectador en el papel de voyeur involuntario. En lugar de capturar la vida real con el clic de un obturador, Sherman utiliza la fotografía como una herramienta artística para engañar y cautivar. Sus imágenes se han convertido en algunas de las fotografías más valiosas jamás producidas. Manipulando a los espectadores y reformulando su propia identidad, Sherman creó un nuevo lugar para la fotografía en las bellas artes. Y demostró que incluso la fotografía permite que la gente sea algo que no es. ________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #fakephoto Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Brian Ridley & Lyle Heeter. Robert Mapplethorpe, 1979 En 1979, cuando Robert Mapplethorpe fotografió a Brian Ridley y Lyle Heeter con sus vestimentas sadomasoquistas, la cultura americana no estaba muy abierta a la homosexualidad. En el trabajo, los empleados homosexuales estaban en gran parte escondidos. En muchos estados, expresar su amor podría ser un delito. Mapplethorpe pasó 10 años documentando la escena gay subterránea de S&M, un mundo aún más apartado de la vista del público. Sus retratos íntimos y muy estilizados lo pusieron en relieve, quizás ninguno más que Brian Ridley y Lyle Heeter. Ambos hombres están vestidos de cuero, con el sumiso atado con cadenas y el compañero dominante con las riendas en una mano y una fusta en la otra. Sin embargo, los hombres se colocan en una sala de estar que por lo demás no tiene nada de extraordinario, una yuxtaposición que añade una capa de normalidad a una relación que está fuera de los límites de lo que la mayoría de los estadounidenses consideraban aceptable en ese entonces. El cuadro y la serie de la que formaba parte abrieron las puertas para que una serie de fotógrafos y artistas examinaran sin complejos la vida gay y su sexualidad. Casi una década después, el trabajo de Mapplethorpe siguió provocando. Una exposición que presentaba sus fotografías de escenas de S&M gay llevó a un museo de arte de Cincinnati y a que su director fueran acusados de obscenidad. (Mapplethorpe murió de SIDA en 1989, un año antes de que comenzara el juicio.) El museo y su director fueron finalmente absueltos, lo que reforzó el legado de Mapplethorpe como un pionero audaz cuya obra merecía una exhibición pública. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #gayworld Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Tank man. Jeff Widener, 1989 En la mañana del 5 de junio de 1989, el fotógrafo Jeff Widener estaba en un balcón del sexto piso del Hotel Beijing. Fue un día después de la masacre de la Plaza de Tiananmen, cuando las tropas chinas atacaron a los manifestantes pro-democracia que acamparon en la plaza. La Associated Press envió a Widener para documentar las consecuencias. Mientras fotografiaba a las víctimas sangrientas, a los transeúntes en bicicleta y al autobús quemado, una columna de tanques comenzó a salir de la plaza. Widener alineó su lente justo cuando un hombre que llevaba bolsas de compras se paró frente a las máquinas de guerra, agitando los brazos y negándose a moverse. Los tanques intentaron rodear al hombre, pero él volvió a su camino, subiendo brevemente por encima de uno. Widener asumió que el hombre moriría, pero los tanques no dispararon. Finalmente, el hombre fue apartado, pero no antes de que Widener inmortalizase su singular acto de resistencia. Otros también capturaron la escena, pero la imagen de Widener fue transmitida a través del cable AP y apareció en las primeras planas de todo el mundo. Décadas después de que el hombre del tanque se convirtiera en un héroe global, sigue sin ser identificado. El anonimato hace que la fotografía sea aún más universal, un símbolo de resistencia a los regímenes injustos de todo el mundo. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #tankman Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Kathrine Switzer’ Marathon. Harry Trask, Boston Herald, 1967 El oficial de carrera Jock Semple trató de sacar por la fuerza a la corredora @KathrineSwitzer del maratón de Boston en 1967 simplemente porque era una mujer. Afortunadamente para Switzer, su novio le echó una mano y ella pudo llegar a la meta. Switzer se inspiró en el incidente para crear eventos de atletismo para mujeres de todo el mundo y fue una líder en llevar el maratón de mujeres a los Juegos Olímpicos. Cuando esta foto apareció por primera vez en 1967, esta era la leyenda original: “Hopkinton, Massachusetts, 19 de abril de 1967: ¿Quién dice que la caballerosidad ha muerto? Cuando una chica que aparece en la lista como “K”. Switzer from Syracuse” se encontraba a punto de ser expulsada de la maratón de Boston, normalmente masculina, y en su lugar su compañero Thomas Miller, de Syracuse, lanzó un bloque que echó a un oficial de carrera de la carrera. La secuencia muestra a Jock Semple, oficial, moviéndose para interceptar a la Srta. Switzer, y luego siendo rebotado por Miller. Fotos por Harry Trask de Boston Traveler. “ ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #8M #mujeresconmarca #diamundialdelamujer #internationalwomenday Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Cowboy. Richard Prince, 1989 La idea del proyecto que rompería todo lo escrito sobre los derechos de autor en fotografía le vino a Richard Prince cuando trabajaba en el departamento de prensa rosa en Time Inc. Mientras deconstruía las páginas de las revistas para los archivos, un anuncio en particular le llamó la atención: la imagen machista y arquetípica del hombre Marlboro montando a caballo bajo el cielo azul. Y así, en un proceso que llegó a llamar repoblación, Prince tomó fotos de los anuncios y recortó el tipo, dejando sólo al icónico vaquero y sus alrededores. Que Prince no tomara la foto original significaba poco para los coleccionistas. En 2005 “Cowboy” se vendió por 1,2 millones de dólares en una subasta, el precio más alto registrado públicamente por la venta de una fotografía contemporánea. Otros se mostraron menos entusiastas. Prince fue demandado por un fotógrafo por usar imágenes con derechos de autor, pero los tribunales fallaron a favor de Prince. Esa no fue su única victoria. La fotografía de Prince ayudó a crear una nueva forma de arte -la fotografía de la fotografía- que prefiguró la era de la compartición digital y cambió nuestra comprensión de la autenticidad y propiedad de una fotografía. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #marlboroman #cowboy Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Demi Moore. Annie Leibovitz, 1991 La estrella de Hollywood Demi Moore estaba embarazada de siete meses de su segundo hijo cuando apareció en la portada de Vanity Fair tal como llegó al mundo. Tal exhibición no era inusual para Moore, que inmortalizó el nacimiento de su primer hijo con tres cámaras de video. Pero fue algo sin precedentes para un medio de comunicación convencional. La retratista Annie Leibovitz hizo una imagen que celebraba el embarazo, mostrando cómo la maternidad podía ser no sólo empoderante sino también sexy. La editora de la revista, Tina Brown, consideró el acto de Moore como una declaración valiente, “una nueva estrella de cine joven dispuesta a decir:’Estoy guapísima embarazada’, y no se avergüenza de ello'”. La foto fue la primera foto de los medios de comunicación que sexualizó el embarazo, y para muchos fue demasiado chocante para aparecer en kioskos. Algunas cadenas de supermercados se negaron a vender la revista, mientras que otras lo encubrieron como si fuera pornografía. No lo fue, por supuesto. Pero era una portada de revista provocativa, e hizo lo que sólo las mejores portadas pueden hacer: cambiar la cultura. Una vez el embarazo fue un asunto relativamente privado, incluso para las figuras públicas. Después de la foto de Leibovitz, los partos de celebridades, las fotos de maternidad al desnudo y las fotos de paparazzi de las protuberancias de los bebés se han convertido en negocio para ellos mismos. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #pregnancy #demimoore #AnnieLeibovitz Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Pilares de la Creación, NASA, 1995 Poco faltó para que el Telescopio Espacial Hubble no lo consiguiera. Llevado en 1990 a bordo del transbordador espacial Discovery, superaba el presupuesto, llevaba años de retraso y, cuando finalmente alcanzó la órbita, se quedó corto y su espejo de 2,5 metros se distorsionó como resultado de un defecto de fabricación. No sería hasta 1993 que una misión de reparación pondría en línea al Hubble. Finalmente, el 1 de abril de 1995, el telescopio consiguió capturar una imagen del universo tan clara y profunda que ha llegado a ser conocida como los “Pilares de la Creación”. Lo que el Hubble fotografió es la Nebulosa del Águila, un parche que forma estrellas a 6.500 años-luz de la Tierra en la constelación Serpens Cauda. Las grandes chimeneas son vastas nubes de polvo interestelar, formadas por los vientos de alta energía que soplan desde las estrellas cercanas (la parte negra en la parte superior derecha es de la ampliación de una de las cuatro cámaras del Hubble). Pero la ciencia de los pilares ha sido la menor parte de su importancia. Algunos de los los pilares están a 5 años luz, unos 30 billones de millas. Una imagen logró lo que mil simposios de astronomía nunca pudieron lograr. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #universe #hubble Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Primera imagen enviada por teléfono móvil. Philippe Kahn, 1997 El aburrimiento puede ser un incentivo poderoso. En 1997, Philippe Kahn estaba sin nada que hacer en una sala de maternidad del norte de California. Epecialista en software, su mujer lo echó de la sala de partos mientras ella daba a luz a su hija, Sophie. Así que Kahn se entretuvo en construir un dispositivo con el que enviar una foto de su hija recién nacida a sus amigos y familiares en tiempo real. Como cualquier otro invento, se trataba de una instalación rudimentaria: una cámara digital conectada a su teléfono móvil, sincronizada por unas pocas líneas de código que había escrito en su ordenador portátil en el hospital. Lo que hizo transformó el mundo: El dispositivo de Kahn capturó los primeros momentos de su hija y los transmitió instantáneamente a más de 2.000 personas. Kahn pronto refinó su prototipo ad hoc, y en el año 2000 Sharp utilizó su tecnología para lanzar el primer teléfono con cámara integrado disponible comercialmente, en Japón. Los teléfonos se introdujeron en el mercado estadounidense unos años más tarde y pronto se convirtieron en omnipresentes. La invención de Kahn alteró para siempre la forma en que nos comunicamos, percibimos y experimentamos el mundo y sentó las bases para los teléfonos inteligentes y las aplicaciones para compartir fotos como @Instagram y Snapchat. Los teléfonos se utilizan ahora para enviar cientos de millones de imágenes por todo el mundo todos los días, incluyendo un buen número de fotos de bebés. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #mobileworld #instantimages #smartphone Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Surfing hippos. Michael Nichols, 2000 Siete mil millones de seres humanos ocupan mucho espacio, y esa es una de las razones por las que la naturaleza salvaje está disminuyendo rápidamente en todo el mundo. Incluso en África, donde leones y elefantes todavía vagan, el espacio para los animales salvajes se está reduciendo. Eso es lo que hace que la fotografía de Michael Nichols sea tan especial. Nichols y el explorador de la National Geographic Society, Michael Fay, emprendieron una ardua caminata de 2.000 millas desde el Congo en África central hasta Gabón, en la costa oeste del continente. Allí fue donde Nichols capturó una fotografía de algo asombroso: unos hipopótamos nadando en plena medianoche en el Océano Atlántico. Fue un evento que pocos habían visto antes. Los hipopótamos pasan la mayor parte de su tiempo en el agua, y su hábitat más probable es un río interior o un pantano, no el mar abierto. La fotografía en sí misma es de una belleza salvaje, los ojos y el hocico del hipopótamo asomándose justo por encima de la ondulada superficie del océano. Pero su efecto fue más que estético. El presidente de Gabón, Omar Bongo, se inspiró en las imágenes de Nichols para crear un sistema de parques nacionales que ahora cubren el 11 por ciento del país, asegurando un espacio para la naturaleza. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #hippos #gabon Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The situation room. Pete Souza, 2011 Los fotógrafos oficiales de la Casa Blanca suelen documentar a los presidentes en sus momentos de ocio y de trabajo, al teléfono con los líderes mundiales y presidiendo las reuniones del Despacho Oval. Y a veces este acceso único les permite capturar momentos clave que se convierten en memoria colectiva. El 1 de mayo de 2011, Pete Souza estaba en la Sala de Crisis cuando las fuerzas estadounidenses irrumpieron en el complejo pakistaní de Osama bin Laden y mataron al líder terrorista. Sin embargo, la imagen de Souza no incluye ni la incursión armada ni a bin Laden. En cambio, captó a los que estaban viendo la operación secreta en tiempo real. El presidente Barack Obama tomó la decisión de lanzar el ataque, pero como todo el mundo en la sala, es un mero espectador de su decisión. Con el ceño fruncido, Obama observa con atención la operación a través de los monitores. La secretaria de Estado Hillary Clinton se cubre la boca, esperando a ver el resultado. En un discurso nacional pronunciado esa noche desde la Casa Blanca, Obama anunció que bin Laden había sido ejecutado. Nunca se han publicado fotografías del cadáver, dejando la de Souza y la tensión que captó como la única imagen pública del momento en que la guerra contra el terror consiguió su victoria más importante. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #situationroom #whitehouse Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Corea del Norte. David Guttenfelder, 2013 David Guttenfelder fue responsable de fotografía en Associated Press para Asia cuando esta agencia se convirtió en la primera organización internacional de noticias en abrir una oficina en Corea del Norte. Comenzó a hacer viajes frecuentes al país, que había estado en gran medida fuera del alcance de los periodistas extranjeros y prácticamente oculto a la vista del público durante casi 60 años. Guttenfelder hizo una crónica de los eventos oficiales y de los concursos organizados en Pyongyang, pero su mirada seguía vagando por las escenas de la vida cotidiana más allá de las visitas guiadas. A principios de 2013, Corea del Norte puso a disposición de los extranjeros una conexión 3G, y de repente Guttenfelder tuvo la capacidad de compartir esas imágenes con el mundo en tiempo real. El 18 de enero de 2013, utilizó su iPhone para enviar una de las primeras imágenes a Instagram desde el interior del país. “La ventana a Corea del Norte ha abierto otra grieta”, escribió en su ampliamente seguido relato. “Mientras tanto, para los coreanos que no tendrán acceso al mismo servicio, la ventana permanece cerrada.” Utilizando la tecnología emergente de la era de la compartición, Guttenfelder abrió una de las sociedades más cerradas del mundo. También inspiró a otros visitantes extranjeros a hacer lo mismo, creando un retrato de la monotonía de la vida cotidiana que no es visible en la cobertura general del estado totalitario y llevando al mundo exterior su imagen más clara hasta ahora de Corea del Norte. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #thewindow #korea Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Oscars Selfie. Bradley Cooper,2014 La fotografía llegó en un Internet saturado de famosos. En mitad de la ceremonia de los Oscars 2014, la anfitriona Ellen DeGeneres se metió entre la multitud y acorraló a algunas de las estrellas más grandes del mundo. Mientras Bradley Cooper sostenía el teléfono, Meryl Streep, Brad Pitt, Jennifer Lawrence y Kevin Spacey, entre otros, unieron sus caras y rieron. Pero fue lo que DeGeneres hizo a continuación lo que convirtió esta banalidad de Hollywood en una imagen transformadora. Después de que Cooper tomara la foto, DeGeneres la publicó inmediatamente en Twitter, donde fue retuiteada más de 3 millones de veces, más que cualquier otra foto de la historia. También fue una enorme campaña publicitaria para Samsung. DeGeneres usó el teléfono de esta marca para el selfie, y la marca fue exhibida de manera prominente en el programa televisado “selfie moment”. Samsung ha mantenido cierta discreción sobre el alcance de la acción, pero su firma de relaciones públicas reconoció que su valor podría ser de hasta 1.000 millones de dólares. Esto nunca hubiera sido posible sin la increíble velocidad y facilidad con la que las imágenes se pueden difundir por todo el mundo. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #selfie #hollywoodoscars Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

La última batalla de Allende. Luis Orlando Lagos, 1973 Salvador Allende fue el primer jefe de Estado marxista elegido democráticamente. Asumió la presidencia de Chile en 1970 con el mandato de transformar el país. Nacionalizó empresas de propiedad estadounidense, convirtió propiedades en cooperativas, congeló los precios, aumentó los salarios e imprimió dinero para financiar los cambios. Pero la economía se tambaleó, la inflación se disparó y los disturbios crecieron. A fines de agosto de 1973, Allende nombró a Augusto Pinochet comandante del ejército. Dieciocho días después, el general conservador orquestó un golpe de estado. Allende se negó a irse. Armado con un AK-47 y protegido sólo por guardias leales a su lado, emitió su discurso final en la radio, con el sonido de los disparos como telón de fondo. Cuando el palacio presidencial de Santiago fue bombardeado, Luis Orlando Lagos, el fotógrafo oficial de Allende, capturó uno de sus últimos momentos. Poco después, Allende se suicidó, aunque durante décadas muchos creyeron que había sido asesinado por las tropas que avanzaban. Temiendo por su propia vida, Lagos huyó. Durante los casi 17 años de gobierno de Pinochet, 40.000 chilenos fueron interrogados, torturados, asesinados o desaparecidos. La foto de Lagos apareció anónimamente. Ganó el premio World Press Photo of the Year de 1973 y se convirtió en una imagen que inmortalizó a Allende como un héroe que eligió la muerte antes que el deshonor. Sólo después de la muerte de Lagos en 2007 se conoció la identidad del fotógrafo. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #chile #allende Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

A man on the moon. Neil Armstrong, NASA 1969 En algún lugar del Mar de la Tranquilidad, donde se encontraba Buzz Aldrin en la noche del 20 de julio de 1969, sigue existiendo uno de los miles de millones de pozos y cráteres de la antigua superficie de la luna. Pero puede que no sea la marca más indeleble del astronauta. A Aldrin nunca le importó ser el segundo hombre en la luna que llegara tan lejos y se perdiera la histórica designación de primer hombre que Neil Armstrong ganó por sólo unos centímetros y minutos. Pero Aldrin se ganó otro tipo de inmortalidad. Como era Armstrong quien llevaba el Hasselblad de 70 milímetros de la tripulación, tomó todas las fotos, lo que significa que los únicos terrícolas que se verían claramente serían los que dieran los segundos pasos. Que esta imagen haya resistido el tiempo de la forma en que lo ha hecho no era probable. No incluye las fotos de Aldrin bajando por la escalera del módulo lunar, tampoco la resonancia patriótica de su saludo a la bandera americana. Sólo está ahí, inmóvil en su lugar, un hombre menudo y frágil en un mundo lejano, un mundo que estaría encantado de matarlo si se quitara una sola prenda de su extremadamente compleja vestimenta. Su brazo está doblado con torpeza, porque estaba mirando los indicadores de control en su muñeca. Y Armstrong, aún más pequeño y espectral, se refleja en su visera. Es una mala imagen si la intención era transmitir heroísmo. Pero fue positiva y duradera. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #manonthemoon #moon Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Invasión de Praga. Josef Koudelka, 1968 A los soviéticos les molestaba el “socialismo de rostro humano” que el gobierno de Alexander Dubcek trajo a Checoslovaquia. Temiendo que las reformas de Dubcek en materia de derechos humanos llevaran a un levantamiento democrático como el de Hungría en 1956, las fuerzas del Bloque de Varsovia se propusieron anular el movimiento. Sus tanques llegaron a Checoslovaquia el 20 de agosto de 1968. Y mientras tomaban rápidamente el control de Praga, inesperadamente se toparon con masas de ciudadanos que ondeaban banderas, que levantaban barricadas, apedreaban tanques, tumbaban camiones e incluso quitaban los letreros de las calles para confundir a las tropas. Josef Koudelka, un joven ingeniero nacido en Moravia que había estado tomando fotos de la vida checa, estaba en la capital cuando llegaron los soldados. Tomó fotos de la revuelta y creó un registro sin precedentes de la invasión que cambiaría el curso de su nación. La pieza más importante incluye el brazo de un hombre en primer plano, que muestra en su reloj de pulsera un momento de la invasión soviética con una calle desierta en la distancia. Encapsula maravillosamente el tiempo, la pérdida y el vacío, y el estrangulamiento de una sociedad. Los recuerdos visuales de Koudelka sobre el conflicto en curso -con su evidencia del tiempo, la brutalidad del ataque y los desafíos de los ciudadanos checos- redefinieron el fotoperiodismo. Sus fotografías salieron de Checoslovaquia y aparecieron en el London Sunday Times en 1969, aunque bajo el seudónimo P.P. de Fotógrafo de Praga, ya que Koudelka temía represalias. Pronto huyó, su razón de ser para dejar el país como testimonio del poder de la evidencia fotográfica: “Tenía miedo de volver a Checoslovaquia porque sabía que si querían averiguar quién era el fotógrafo desconocido, podían hacerlo”. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #Czechoslovakia #Prague Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

El baño de Mao en el Yangtze. Fotógrafo desconocido, 1966 Después de décadas dirigiendo el Partido Comunista Chino y luego su nación, Mao Zedong comenzó a preocuparse por su legado de marca personal. El Presidente, de 72 años de edad, también temía que su huella se viera socavada por los movimientos de la contrarrevolución. Así que en julio de 1966, con el objetivo de asegurarse el poder, Mao se sumergió en el río Yangtze para demostrar al mundo que seguía gozando de buena salud. Fue un acto de pura propaganda. La imagen de ese baño, una de las pocas fotos del líder que circuló masivamente, hizo exactamente lo que Mao esperaba. De regreso en Pekín, Mao lanzó su Gran Revolución Cultural Proletaria, movilizando a las masas para purgar a sus rivales. Su control sobre el poder era más fuerte que nunca. Mao alistó a los jóvenes de la nación e imploró a los Guardias Rojos a que “se atrevieran a ser violentos”. La locura se desató rápidamente sobre aquella China de 750 millones de personas, mientras las tropas leales al Libro Rojo del Presidente destrozaban reliquias y templos y castigaban a los supuestos traidores. Cuando la Revolución Cultural finalmente se agotó una década después, más de un millón de personas habían sido asesinadas. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #China #Mao Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Muhammad Ali contra Sonny Liston. Neil Leifer, 1965 Gran parte del secreto de una buena foto es estar en el lugar y momento adecuados. Esta suerte tuvo Neil Leifer cuando disparó la fotografía deportiva más célebre del S.XX. “Obviamente estaba en el asiento correcto, pero lo que importa es que no fallé”, dijo más tarde. El 25 de mayo de 1965, Leifer ocupó ese asiento en el ring de Lewiston, Maine, cuando el campeón de boxeo de peso pesado de 23 años de edad, Muhammad Ali, se enfrentó a Sonny Liston, de 34 años de edad, el hombre al que había arrebatado el título del año anterior. Un minuto y 44 segundos después del primer asalto, el puño derecho de Ali conectó con la barbilla de Liston y Liston cayó a plomo. Leifer sacó la foto del campeón sobresaliendo sobre su oponente vencido y burlándose de él, “¡Levántate y pelea, imbécil!” Las potentes luces de techo y las nubes de humo de los cigarros habían convertido el ring en el estudio perfecto, y Leifer se aprovechó al máximo. Su imagen captura a Ali irradiando la fuerza y el descaro poético que lo convirtió en el atleta más amado y vilipendiado de la Estados Unidos, en un momento en que el deporte, la política y la cultura popular estaban en la cuerda floja en plena revolución social y cultural de los años 60. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #muhammadali #ring Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Birmingham, Alabama. Charles Moore, 1963 A veces el espejo más efectivo de la realidad es una fotografía. En el verano de 1963, Birmingham estaba en ebullición cuando los ciudadanos negros y sus aliados en el movimiento de derechos civiles chocaron repetidamente con una estructura de poder blanca que intentaba mantener la segregación y que estaba dispuesta a hacer lo que fuera necesario. Charles Moore era fotógrafo del Montgomery Advertiser y de Life, nacido en Alabama e hijo de un predicador bautista horrorizado por la violencia infligida a los afroamericanos en nombre de la ley y el orden. Aunque fotografió muchos otros momentos importantes del movimiento, fue esta imagen de un perro policía rasgando los pantalones de un manifestante negro lo que capturó la rutina, incluso casual, de la brutalidad de la segregación. Cuando la imagen se publicó en Life, rápidamente se hizo evidente para el resto del mundo lo que Moore había sabido durante mucho tiempo: poner fin a la segregación no se trataba de erosionar la cultura, sino de restaurar la humanidad. Los políticos vacilantes pronto tomaron cartas en el asunto y aprobaron la Ley de Derechos Civiles de 1964 casi un año después. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #civilrights #segregation Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Nuit de Noël (Happy Club). Malick Sidibé, 1963 La vida del fotógrafo maliense Malick Sidibé siguió los pasos de la de su país. Comenzó pastoreando las cabras de su familia y luego se formó en joyería, pintura y fotografía. Al terminar el dominio colonial francés en 1960, capturó los sutiles y profundos cambios que estaban dando forma a su país. Apodado el Ojo de Bamako, Sidibé tomó miles de fotos que se convirtieron en una crónica en tiempo real del eufórico espíritu del tiempo que se apoderó de la capital, un documento de un momento fugaz. “Todo el mundo tenía que ir al último estilo parisino”, observó de los jóvenes que llevaban ropa llamativa, a horcajadas en Vespas y acariciando en público mientras abrazaban un mundo sin grilletes. En la Nochebuena de 1963, Sidibé se encontró con una joven pareja en un club, perdida en los ojos del otro. Lo que Sidibé llamó su “talento para observar” le permitió capturar su tranquila intimidad, con las cabezas rascándose mientras adornaban una pista de baile vacía. “Estábamos entrando en una nueva era, y la gente quería bailar”, dijo Sidibé. “La música nos liberó. De repente, los hombres jóvenes podían acercarse a las mujeres jóvenes, sostenerlas en sus manos. Antes, no estaba permitido. Y todos querían ser fotografiados bailando de cerca”. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #mali #dance Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Salto a la libertad. Peter Leibing, 1961 Después de la Segunda Guerra Mundial, los gobiernos aliados conquistadores dividieron Berlín en cuatro zonas de ocupación. Sin embargo, todas las partes no eran iguales, y entre 1949 y 1961 unos 2,5 millones de alemanes orientales huyeron de la sección soviética en busca de libertad. Para detener el flujo, el líder de Alemania Oriental, Walter Ulbricht, hizo levantar a principios de agosto de 1961 una barrera de alambre de púas. Unos días después, el fotógrafo de Associated Press, Peter Leibing, fue informado de que podría producirse una deserción. Él y otros cámaras se reunieron y observaron a una multitud en Berlín Occidental que atrajo al guardia fronterizo de 19 años Hans Conrad Schumann, gritándole: “¡Ven aquí!” Schumann, que más tarde dijo que no quería “vivir encerrado”, de repente corrió hacia la barricada. Mientras despejaba los cables afilados, dejó caer su rifle y se lo llevaron. Enviada a través del cable de AP, la foto de Leibing apareció en las primeras planas de todo el mundo. Hizo de Schumann, supuestamente el primer soldado conocido de Alemania Oriental que huyó, un ejemplo de los que anhelan ser libres, al tiempo que daba urgencia a Alemania Oriental por un Muro de Berlín más permanente. Schumann sintió el peso de su decisión y finalmente se suicidó en 1998. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #berlin #freedom Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Case Study House no. 22, Los Angeles. Julius Shulman, 1960 Durante décadas, el Sueño de California significó la oportunidad de tener una casa en medio de un paraíso. El atractivo de la casa era el patio con las palmeras, no el contorno de las paredes. Julius Shulman ayudó a cambiar eso. En mayo de 1960, el fotógrafo nacido en Brooklyn se dirigió a la Stahl House del arquitecto Pierre Koenig, una casa de Hollywood Hills con una vista impresionante de Los Ángeles, una de las 36 Casas del proyecto “Case Study Houses” que fueron parte de un experimento arquitectónico que ensalzaba las virtudes de la teoría modernista y los materiales industriales. Shulman fotografió la mayoría de las casas del proyecto, ayudando a desmitificar el modernismo al resaltar su elegante simplicidad y humanizar sus bordes angulares. Pero ninguna de sus otras fotos fue más influyente que la que tomó de la Case Study House no. 22. Para mostrar la esencia de este edificio en voladizo, Shulman colocó a dos glamorosas mujeres en vestidas de cóctel dentro de la casa, donde parecen estar flotando sobre una ciudad mítica y centelleante. La foto, para él “una de mis obras maestras”, es la imagen inmobiliaria de mayor éxito jamás tomada. Perfeccionó el arte de la puesta en escena aspiracional, convirtiendo una casa en la encarnación de la Buena Vida, de Hollywood, de California como la Tierra Prometida. Y, gracias a Shulman, ese sueño ahora incluye una caja de vidrio en el cielo ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #hollywood #americandream Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Guerillero. Alberto Korda, 1960 El día antes de que Alberto Korda tomara su icónica fotografía del revolucionario cubano Che Guevara, un barco había explotado en el puerto de La Habana, matando a la tripulación y a decenas de trabajadores portuarios. Al cubrir el funeral del periódico Revolución, Korda se centró en Fidel Castro, quien en una ardiente oración acusó a Estados Unidos de causar la explosión. Los dos fotogramas que filmó del joven aliado de Castro fueron una ocurrencia tardía, y no fueron publicados por el periódico. Pero después de que Guevara fuera asesinado dirigiendo un movimiento guerrillero en Bolivia casi siete años después, el régimen cubano lo abrazó como un mártir del movimiento, y la imagen de Korda del revolucionario vestido con boina pronto se convirtió en su símbolo más perdurable. En poco tiempo, “Guerrillero” fue apropiado por artistas, causas y admiradores de todo el mundo, apareciendo en todo, desde arte de protesta hasta ropa interior y refrescos. Se ha convertido en la abreviatura cultural de la rebelión y en una de las imágenes más reconocibles y reproducidas de todos los tiempos, con su influencia desde hace mucho tiempo más allá de sus ojos de acero. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #che #guerrilla Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Milk Drop Coronet. Harold Edgerton, 1957 Antes de que Harold Edgerton colocara un gotero de leche junto a un temporizador y una cámara de su propio invento, era virtualmente imposible tomar una buena foto en la oscuridad sin un equipo voluminoso. Fue igualmente inútil intentar fotografiar un momento fugaz. Pero en la década de 1950, en su laboratorio del MIT, Edgerton comenzó a jugar con un proceso que cambiaría el futuro de la fotografía. Allí, el profesor de ingeniería electrónica combinó luces estroboscópicas de alta tecnología con motores de obturadores de cámara para capturar momentos imperceptibles a simple vista. Milk Drop Coronet, su revolucionaria fotografía de stop-motion, congela el impacto de una gota de leche sobre una mesa, una corona de líquido perceptible por la cámara durante sólo un milisegundo. La fotografía demostró que la fotografía podía hacer avanzar la comprensión humana del mundo físico, y la tecnología que Edgerton usó para tomarla sentó las bases para el flash electrónico moderno. Edgerton trabajó durante años para perfeccionar sus fotografías de gotas de leche, muchas de ellas en blanco y negro; una de ellas fue presentada en la primera exposición de fotografía en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, en 1937. Y mientras que el hombre conocido como Doc capturó otros momentos, como la explosión de globos y la perforación de una manzana con una bala, su gota de leche sigue siendo un ejemplo por excelencia de la capacidad de la fotografía para hacer arte a partir de las pruebas. ____________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #milkdrop #coronet Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Dovima with elephants, evening dress by Dior, Cirque d’Hiver, Paris. Richard Avedon, 1955 Cuando Richard Avedon fotografió a Dovima en un circo de París en 1955 para Harper’s Bazaar, ambos ya eran referentes en sus campos. Ella era una de las modelos más famosas del mundo, y él era uno de los fotógrafos de moda más famosos. Tiene sentido, entonces, que Dovima With Elephants sea una de las fotografías de moda más famosas de todos los tiempos. Pero su influencia perdurable reside tanto en lo que captura como en las dos personas que lo hicieron. Dovima fue una de las últimas grandes modelos, cuando la alta costura era un mundo relativamente exclusivo y elitista. Después de la década de 1950, las modelos empezaron a orbitar hacia los looks de las chicas corrientes en lugar de la belleza inalcanzable de la vieja generación, ayudando a convertir la alta costura en entretenimiento. Dovima With Elephants destila ese cambio yuxtaponiendo el espectáculo y la fuerza de los elefantes con la belleza de Dovima y la delicadeza de su vestido, que fue el primer vestido de Dior diseñado por Yves Saint Laurent. La imagen también aporta movimiento a un medio que antes estaba caracterizado por la quietud. Las modelos habían sido durante mucho tiempo maniquíes, destinadas a permanecer inmóviles mientras los vestidos recibían toda la atención. Avedon vio lo que estaba mal en esa ecuación: el vestido no sólo hacía a la persona; la persona también hacía el vestido. Y al sacar a las modelos del estudio y colocarlas en un escenario especial, ayudó a desdibujar la línea entre la fotografía de moda comercial y el arte. De esta manera, Dovima With Elephants captura un punto de inflexión en nuestra cultura más amplia: la última top model de estilo antiguo, presentando la moda de una nueva forma. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #avedon #fashion Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Trolley-New Orleans. Robert Frank, 1955 . Las verdades incómodas tienden a tener consecuencias para quien las cuenta. Cuando se publicó el libro de Robert Frank The Americans, la revista Practical Photography desestimó el trabajo del fotógrafo suizo como una colección de “desenfoques, granos, exposiciones turbias, horizontes de borrachera y descuidos en general”. Las 83 imágenes del libro fueron tomadas mientras Frank atravesaba los Estados Unidos en varios viajes por carretera a mediados de la década de 1950, y capturaron un país en la cúspide del cambio: rígidamente segregado pero con el movimiento de los derechos civiles en movimiento, arraigado en la tradición familiar y rural, pero moviéndose de cabeza en el anonimato de la vida urbana. En ninguna parte esta tensión es mayor que en Trolley-New Orleans, un momento fugaz que transmite el brutal orden social de la América de la posguerra. La foto, tomada unas semanas antes de que Rosa Parks se negara a ceder su asiento en un autobús en Montgomery, Alabama, no fue planeada. Frank estaba haciendo un desfile callejero cuando vio pasar el tranvía. Girando alrededor, Frank levantó su cámara y disparó justo antes de que el carrito desapareciera de la vista. La foto fue utilizada en la portada de las primeras ediciones de The Americans, alimentando la crítica de que el trabajo era antiamericano. Por supuesto, Frank -que se hizo ciudadano estadounidense en 1963, cinco años después de la publicación de The Americans- simplemente vio a su país adoptivo como era, no como se imaginaba ser. Medio siglo después, esa franqueza ha hecho de The Americans un monumento a la fotografía documental y callejera. El estilo suelto y subjetivo de Frank liberó la forma de las convenciones del fotoperiodismo establecidas por la revista Life, que él descartó como “malditas historias con un principio y un final”. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #segregation #racism Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Camelot. Hy Peskin, 1953 Antes de que pudieran convertirse en la “jet”, Estados Unidos necesitaba dar a conocer a John Fitzgerald Kennedy y Jacqueline Lee Bouvier. Esa presentación llegó cuando Hy Peskin fotografió al apuesto político y a su radiante prometida durante un fin de semana de verano en 1953. Peskin, un reconocido fotógrafo deportivo, se dirigió al puerto de Hyannis, Massachusetts, por invitación del patriarca familiar Joseph Kennedy. El embajador, deseoso de que su hijo ascendiera como figura nacional, pensó que un artículo en las páginas de LIFE fomentaría la fascinación por John, su hermosa novia y una de las familias más ricas de Estados Unidos. Y eso fue exactamente lo que hizo. Peskin creó una serie fotografías estilo “un día en la vida de…” titulada “El senador Kennedy sale de cortejo”. Mientras Jackie se enfurecía por la intrusión -la madre de John, Rose, incluso le dijo cómo posar-, ella estuvo de acuerdo con la puesta en escena, y los lectores pudieron observar a Jackie despeinando al “hombre más guapo y joven del Senado de los Estados Unidos”, jugando fútbol y softball con sus futuros suegros, y navegando a bordo del barco de John, Victura. “Me metieron en ese barco lo suficiente como para salir en la foto”, le confió más tarde a una amiga. Fue una fotografía perfecta, con Kennedy en la portada de la revista de fotografía más leída del mundo, interpretada como un playboy seguro de sí mismo preparado para decir adiós a la soltería. Unos meses más tarde Life cubriría la boda de la pareja, y para entonces América ya estaba cautivada. En esos tiempos de Eisenhower y Nixon, Peskin reveló el rostro de Camelot, uno que cambió la percepción de la política y de los políticos de Estados Unidos, e hizo que John y Jackie se convirtieran en la pareja más famosa del planeta. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #jackie #jfk Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Country Doctor. W. Eugene Smith, 1948 A pesar de ser conocido por su fotografía bélica, W. Eugene Smith dejó su marca personal con una serie de ensayos fotográficos a mediados del siglo pasado para la revista LIFE. El fotógrafo, nacido en Wichita, Kansas, pasó semanas sumergiéndose en la vida de sus pacientes, desde una enfermera-matrona de Carolina del Sur hasta los residentes de un pueblo español. Su objetivo era ver el mundo desde la perspectiva de sus pacientes y obligar a los espectadores a hacer lo mismo. “No busco poseer a mi paciente, sino entregarme a él”, dijo sobre su enfoque. Eso quedó genialmentre plasmado en su ensayo fotográfico “Country Doctor”. Smith pasó 23 días con el Dr. Ernest Ceriani alrededor de Kremmling, Colorado, siguiendo al médico a través de la comunidad ganadera de 2.000 almas bajo las Montañas Rocosas. Lo vio atender a bebés, poner inyecciones en los asientos traseros de vehículos, desarrollar sus propias radiografías, tratar a un hombre con un ataque al corazón y luego llamar a un sacerdote para darle los últimos ritos. Escarbando tan profundamente en su tarea, Smith creó una visión singular, totalmente íntima, de la vida de un hombre extraordinario. Se convirtió no sólo en el ensayo fotográfico más influyente de la historia, sino también en modelo a seguir. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #doctor #life Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Dalí Atomicus, Philippe Halsman, 1948 El propósito vital de Philippe Halsman fue capturar la esencia de lo que fotografiaba. Así que cuando se dispuso a hacerlo al pintor surrealista Salvador Dalí, su amigo y colaborador de toda la vida, intuyó que un retrato corriente no sería adecuado. Inspirado en la pintura de Dalí Leda Atomica, Halsman creó una elaborada escena para rodear al artista que incluía la obra original, una silla flotante y un caballete en proceso suspendido por finos alambres. Los ayudantes, entre los que se encontraban la esposa de Halsman y su hija pequeña Irene, saltaron del marco y arrojaron tres gatos y un cubo de agua al aire mientras Dalí saltaba. Fueron necesarias 26 tomas para capturar la composición. Y no es de extrañar. El resultado final, publicado en LIFE, evoca la obra de Dalí. El artista incluso pintó una imagen directamente sobre la impresión antes de su publicación. Antes de Halsman, la fotografía de retrato era a menudo de tipo zigzag y suavemente borrosa, con una clara sensación de distancia entre el fotógrafo y el sujeto. El enfoque de Halsman, retratando a famosos como Albert Einstein, Marilyn Monroe y Alfred Hitchcock mientras se movían ante la cámara, redefinió la fotografía de retrato e inspiró a generaciones de fotógrafos a colaborar con sus sujetos. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #dali #surrealism Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Gandhi y la rueca. Margaret Bourke-Blanco, 1946 Cuando los británicos tuvieron a Mohandas Gandhi en la prisión de Yeravda en Pune, India, de 1932 a 1933, el líder nacionalista hizo su propio hilo con una charkha, una rueca portátil. La práctica evolucionó desde un interés personal durante el cautiverio hasta convertirse en piedra de toque de la campaña por la independencia, con Gandhi animando a sus compatriotas a hacer sus propias telas caseras en lugar de comprar productos británicos. Cuando Margaret Bourke-White llegó al recinto de Gandhi para leer un artículo de Life sobre los líderes de la India, la rueca estaba tan ligada a la identidad de Gandhi que su secretaria, Pyarelal Nayyar, le dijo a Bourke-White que tenía que aprender el oficio antes de fotografiar al líder. La foto de Bourke-White de Gandhi leyendo las noticias junto a su charkha nunca apareció en el artículo para el que fue tomada, pero menos de dos años después Life mostraba la foto de manera prominente en un obituario publicado después del asesinato de Gandhi. Pronto se convirtió en una imagen eterna, el mártir de la desobediencia civil con su símbolo más potente, y ayudó a solidificar la percepción de Gandhi fuera de India como un santo hombre de paz. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #gandhi #civilrights Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Día de la Victoria en Times Square. Alfred Eisenstaedt, 1945 La fotografía captura fragmentos fugaces que cristalizan la esperanza, la angustia, la maravilla y la alegría de vivir. Alfred Eisenstaedt, uno de los cuatro primeros fotógrafos contratados por la revista LIFE, hizo de su misión “encontrar y captar el momento de contar historias”. No tuvo que ir muy lejos cuando la Segunda Guerra Mundial terminó el 14 de agosto de 1945. Tomando el ambiente en las calles de la ciudad de Nueva York, Eisenstaedt pronto se encontró en el alegre tumulto de Times Square. Mientras buscaba temas, un marinero frente a él agarró a una enfermera, la inclinó hacia atrás y la besó. La fotografía de Eisenstaedt de esa bajada apasionada destila el alivio y la promesa de ese día trascendental en un solo momento de alegría desenfrenada (aunque algunos argumentan hoy que debería ser visto como un caso de agresión sexual). Su bella imagen se ha convertido en el cuadro más famoso y reproducido con frecuencia del siglo XX, y constituye la base de nuestra memoria colectiva de ese momento transformador de la historia mundial. Eisenstaedt dijo “La gente me dice que cuando esté en el cielo recordarán esta foto”. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #thekiss #timessquare Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The critic. Weegee, 1943 Arthur Fellig tenía una visión ácida de la injusticia de la vida. Un inmigrante austríaco que creció en las fanganosas calles del Lower East Side de la ciudad de Nueva York, Fellig se dio a conocer como Weegee -una versión fonética de Ouija- por su habilidad innata para tomar la foto perfecta. A menudo se trataba de imágenes de crímenes, tragedias y de los habitantes de la Nueva York noctámbula. En 1943, Weegee puso el flash cegador de su cámara Speed Graphic sobre las desigualdades sociales y económicas que persistían después de la Gran Depresión. Envió a su ayudante, Louie Liotta, a un antro de Bowery en busca de una mujer borracha. Encontró a una dispuesta y la llevó al Metropolitan Opera House. Luego Liotta la instaló cerca de la entrada mientras Weegee esperaba la llegada de la Sra. Washington Kavanaugh y Lady Decies, dos mujeres adineradas que frecuentaban las columnas de sociedad. Cuando la gente de la calle llegó a la ópera, Weegee le dio la señal a Liotta para que soltara a la mujer borracha. “Fue como una explosión”, recordó Liotta. “Pensé que me quedé ciego por las tres o cuatro exposiciones del flash.” Con ese destello, Weegee capturó la cruda yuxtaposición de fabulosa riqueza y pobreza extrema, en un estilo que anticipó el atractivo comercial de los paparazzi décadas después. La foto apareció en Life bajo el título “The Fashionable People” (La gente a la moda), y la pieza permitía a los lectores saber cómo la “entrada” de las mujeres era vista con disgusto por un espectador. El hecho de que más tarde se revelara que The Critic había sido un montaje planificado no contribuyó a atenuar su influencia. _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #weegee #richandpoor Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Betty Grable. Frank Powolny, 1943 Helena de Troya, la mítica semidiosa griega que desencadenó la Guerra de Troya, no tenía nada que ver con Betty Grable de St. Louis. Esta estrella de Hollywood, rubia platino y de ojos azules, tenía unas piernas que inspiraban a soldados, marineros, aviadores y marines estadounidenses para salvar a la civilización de los países del eje del mal. Y a diferencia de Helena de Troya, Betty representaba a una chica de carne y hueso manteniendo el fuego encendido del hogar. Frank Powolny trajo a Betty a las tropas por accidente. Fotógrafo de 20th Century Fox, estaba tomando fotos publicitarias de la actriz de la película de 1943 Sweet Rosie O’Grady cuando aceptó un retrato trasero. El estudio convirtió esta pose en una de los primeras pinups, y pronto las tropas solicitaron 50.000 copias cada mes. Los hombres llevaron a Betty a dondequiera que iban, pegando su póster en las paredes de los barracones, pintándola en fuselajes de bombarderos y colocando copias de ella al lado de sus corazones. Antes de Marilyn Monroe, la sonrisa y las piernas de Betty -dijo estar asegurada por un millón de dólares con Lloyd’s de Londres- congregaron a un sinnúmero de jóvenes con morriña en la lucha de sus vidas (incluyendo a un joven Hugh Hefner, quien la citó como una inspiración para Playboy). “Tengo que ser la hija de un soldado”, dijo Grable, que firmó cientos de sus pinups cada mes durante la guerra. “Así como esto tiene que ser una guerra de soldados.” _________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #pinups #BettyGrable Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Einstein tongue. Arthur Sasse, 1951 Para el rotativo The Guardian, esta “posiblemente es una de las fotografías de prensa más conocidas de cualquier personalidad del siglo XX” fue tomada el 14 de marzo de 1951, el día del cumpleaños de Albert Einstein. El científico estaba saliendo de su fiesta de su 72 aniversario en la Universidad de Princeton, que había estado plagada de fotógrafos, y estaba comprensiblemente cansado de sonreír toda la noche. Cuando abandonó el evento y se subió al asiento trasero de un coche entre el Dr. Frank Aydelotte y su esposa Marie Jeanette, otra multitud de reporteros y fotógrafos avanzó. Einstein no estaba de humor para seguir sonriendo. Según la leyenda, gritó: ¡Basta ya! Pero no le escucharon. Por exasperación – y tal vez un poco de rencor – Einstein sacó la lengua a la multitud, y luego se volvió inmediatamente. Arthur Sasse de UPI tuvo la suerte de capturar el disparo en fracciones de segundo. A Einstein le encantó la foto que Sasse tomó y le pidió a UPI nueve copias que utilizó como tarjetas de felicitación personales. La mayoría de ellas fueron recortadas para incluir sólo su rostro, creando la imagen icónica que todos conocemos hoy en día. Una copia, sin embargo, permaneció tal cual, y la firmó para un reportero. En 2017, esa foto se vendió en una subasta por la friolera de 125.000 dólares. ______________________ #bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #einstein #tongue Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Migrant mother. Dorothea Lange, 1936 La frase favorita de la fotógrafa documental Dorothea Lange era “Una cámara es una herramienta para aprender a ver sin una cámara”. Y quizás nadie hizo más para revelar las consecuencias de la Gran Depresión que Lange, que nació en 1895. Sus fotografías aportaron una mirada inquietante -y profundamente humana- a las luchas de los agricultores desplazados, los trabajadores migrantes, los aparceros y otros en el fondo de la economía agrícola estadounidense a medida que se tambaleaba a lo largo de la década de 1930. Su foto más famosa es “Madre Migrante”. Tomada en 1936 en un campamento lleno de recolectores de guisantes desempleados en Nipomo, California, la imagen muestra a Florence Owen Thompson, una trabajadora agrícola flanqueada por dos de sus siete hijos, mientras que un tercero, un bebé envuelto en arpillera, descansa sobre su regazo. La lluvia helada había destruido el cultivo de guisantes. Thompson y sus hijos habían estado viviendo de comer verduras congeladas de los campos circundantes, y de aves que los niños mataban. Según Lange, acababa de vender los neumáticos de su coche para comprar comida. ___________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #hunger #humanity Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Winston Churchill. Yousuf Karsh, 1941 Gran Bretaña se sentía sola en 1941. Para entonces Polonia, Francia y gran parte de Europa habían caído en manos de las fuerzas nazis, y sólo los pequeños pilotos, soldados y marineros de la nación, junto con los de la Commonwealth, se mantenían en la oscuridad. Winston Churchill estaba decidido a que la luz de Inglaterra continuara brillando. En diciembre de 1941, poco después de que los japoneses atacaran Pearl Harbor y Estados Unidos fuera arrastrado a la guerra, Churchill visitó el Parlamento en Ottawa para agradecer a Canadá y a los Aliados por su ayuda. Churchill no sabía que Yousuf Karsh había sido el encargado de hacer su retrato después, y cuando salió y vio al fotógrafo canadiense nacido en Turquía, exigió saber: “¿Por qué no se me dijo?” Churchill encendió un cigarro, lo sopló y le dijo al fotógrafo: “Puedes tomar uno”. Mientras Karsh se preparaba, Churchill se negó a dejar el cigarro. Así que una vez que Karsh se aseguró de que todo estuviera listo, se acercó al Primer Ministro y le dijo: “Perdóneme, señor”, y le arrancó el puro de la boca a Churchill. “Para cuando volví a mi cámara, parecía tan beligerante que podría haberme devorado. Fue en ese instante cuando tomé la fotografía”. Siempre diplomático, Churchill sonrió y dijo: “Puedes tomar otro” y estrechó la mano de Karsh, diciéndole: “Hasta puedes hacer que un león rugiente se quede quieto para ser fotografiado”. El resultado de la “doma del león” de Karsh es una de las imágenes más ampliamente reproducidas en la historia y un hito en el arte del retrato político. Fue la foto de Karsh Churchill con cara de Bulldog -publicada primero en el diario estadounidense PM y finalmente en la portada de LIFE- la que dio el pistoletazo de salida a los fotógrafos modernos para hacer retratos honestos, incluso críticos, de nuestros líderes. ______________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #churchill #portrait Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The Hindenburg disaster. Sam Shere, 1937 Los zepelines eran naves majestuosas, lujosos gigantes signo de riqueza y poder. La llegada de estas naves fue noticia, por lo que Sam Shere, del servicio International News Photos, esperaba bajo la lluvia en la estación aérea naval de Lakehurst, Nueva Jersey, el 6 de mayo de 1937, a que la LZ 129 Hindenburg, de 804 pies de largo, llegara de Frankfurt. De repente, mientras los medios de comunicación reunidos observaban, el hidrógeno inflamable de la gran nave se incendió, haciendo que estallara espectacularmente en llamas amarillas brillantes y matara a 36 personas. Shere era uno de las casi dos docenas de fotógrafos de prensa que se apresuraron a documentar la rápida tragedia. Pero es su imagen, con su cruda inmediatez y su horrible grandeza, la que ha perdurado como la más famosa, gracias a su publicación en portadas de todo el mundo y en LIFE y, más de tres décadas después, a su uso en la portada del primer álbum de Led Zeppelin. El accidente contribuyó a cerrar la era de las aeronaves, y la poderosa fotografía de Shere de uno de los primeros desastres aéreos más espectaculares del mundo persiste como un recordatorio cautelar de cómo errores humanos pueden llevar a la muerte y a la destrucción. Casi tan famosa como la foto de Shere es la voz angustiada del locutor de radio de Chicago Herbert Morrison, que lloraba mientras veía a la gente caer en el aire: “Está ardiendo en llamas….”. Esto es terrible. Esta es una de las peores catástrofes del mundo…. ¡Oh, la humanidad!” ________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #zeppelin #Hindenburg Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The Loch Ness Monster. Fotógrafo desconocido, 1934 Si la jirafa no existiera, tendríamos que inventarla. Es nuestra naturaleza aburrirnos con lo improbable pero real y buscar lo imposible. Lo mismo sucede con la foto del monstruo del Lago Ness, supuestamente tomada por el médico británico Robert Wilson en abril de 1934. Wilson, sin embargo, simplemente había sido reclutado para encubrir un fraude anterior por el cazador de juegos salvajes Marmaduke Wetherell, quien había sido enviado a Escocia por el Daily Mail de Londres para atrapar al monstruo. Al no haber ningún monstruo que descubrir, Wetherell trajo a casa fotos de huellas de hipopótamos que, según él, pertenecían a Nessie. El diario Mail atrapó al sabio y desacreditado Wetherell, quien luego regresó al lago con un monstruo hecho de un submarino de juguete. Él y su hijo usaron a Wilson, un médico respetado, para darle credibilidad al engaño. El Mail perdura; la reputación de Wilson no. La imagen del Lago Ness es una especie de piedra angular para los teóricos de la conspiración y los buscadores de fábulas, al igual que la imagen absolutamente auténtica de la famosa cara en Marte tomada por la sonda Viking en 1976. La emoción de ese hallazgo duró sólo hasta 1998, cuando el Mars Global Surveyor demostró que la cara era, como dijo la NASA, una formación topográfica, una que en ese momento había sido casi arrastrada por el viento. Éramos inocentes en esos dulces días anteriores al Photoshop. Ahora investigamos, y somos más desconfiados. El arte de la falsificación ha avanzado, pero su encanto, como el de la cara de Marte, ha desaparecido. ________________________ #time100bestphotos #photo #storytelling #historyphoto #LochNess #Nessie Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

La chica afgana. Steve McCurry, 1984 Steve McCurry es un fotoperiodista estadounidense que ha trabajado para National Geographic y ha ganado innumerables premios por la cobertura de varias guerras a lo largo de la historia. Pero solo una de sus imágenes ha merecido una página en Wikipedia. Su portada de National Geographic es la imagen es de una adolescente de ojos verdes con pañuelo rojo mirando intensamente a la cámara. Su identidad no se conocía inicialmente, pero a principios de 2002 fue identificada como Sharbat Gula. Era una niña afgana que vivía en el campo de refugiados de Nasir Bagh en Pakistán durante la época de la ocupación soviética de Afganistán cuando fue fotografiada. Los padres de Gula murieron durante el bombardeo de la Unión Soviética en Afganistán cuando ella tenía unos seis años en su aldea en el este de Nangarhar. El 26 de octubre de 2016, Gula y sus tres hijos fueron detenidos en Pakistán por la Agencia Federal de Investigación por vivir en el país utilizando documentos falsos. Fue sentenciada a quince días de detención y deportada a Afganistán. La decisión fue criticada por Amnistía Internacional. En Kabul, Gula y sus hijos fueron recibidos por el Presidente Ashraf Ghani en el palacio presidencial. El gobierno prometió apoyarla financieramente, y en diciembre de 2017, Gula recibió una residencia en Kabul para que ella y sus hijos pudieran vivir en ella. Posiblemente nunca hubiera recibido esa ayuda sin esa fotografía y ese relato que agitó conciencias en todo el mundo. Se ha comparado esta imagen con el cuadro de Leonardo da Vinci de la Mona Lisa y se ha llamado “la primera Mona Lisa del Tercer Mundo”. La imagen se ha convertido en emblemática de una persona refugiada ubicada en algún campo lejano, merecedora de la atención y compasión de quien observe la imagen. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #afghangirl #refugee Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

The Suffering of light. Alex Webb, 1979 Como una obra de Dalí, contemplar esta fotografía de lejos o de cerca nos ofrece realidades distintas. De lejos, es una imagen idílica de lo que podría ser una familia de agricultores en un campo. De cerca, vemos a un grupo de ciudadanos mexicanos arrestados mientras intentaban cruzar la frontera con Estados Unidos en San Ysidro, California, EE.UU. The Suffering of light (El sufrimiento de la luz) es un libro, la primera monografía completa que traza la carrera del aclamado fotógrafo estadounidense Alex Webb. Reuniendo algunas de sus imágenes más icónicas, muchas de las cuales fueron tomadas en los rincones más lejanos de la tierra. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #inmigration #borders Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Lunch Atop a Skyscraper. Fotógrafo desconocido, 1932 Es la pausa para el almuerzo más peligrosa y juguetona que jamás se haya capturado: 11 hombres comiendo, charlando y fumando a escondidas como si no estuvieran a 250 metros por encima de Manhattan con nada más que una viga delgada manteniéndolos en lo alto. Esa comodidad es real; eran los trabajadores de la construcción que ayudaron a construir el Rockefeller Center. Pero la foto, tomada en el piso 69 del edificio insignia de la RCA (ahora el edificio GE), fue puesta en escena como parte de una campaña promocional para el enorme complejo de rascacielos. Mientras que el fotógrafo y las identidades de la mayoría de los sujetos siguen siendo un misterio -los fotógrafos Charles C. Ebbets, Thomas Kelley y William Leftwich estuvieron todos presentes ese día, y no se sabe quién los tomó-, no hay un ferretero en la ciudad de Nueva York que no vea la foto como una insignia de su audaz tribu. De esa manera no están solos. Al burlarse tanto del peligro como de la depresión, “Lunch Atop a Skyscraper” se convirtió en un símbolo de la resistencia y la ambición estadounidenses en un momento en el que ambos eran desesperadamente necesarios. Desde entonces se ha convertido en un emblema icónico de la ciudad en la que fue tomada, afirmando la creencia romántica de que Nueva York es un lugar sin miedo a abordar proyectos que acobardarían a las ciudades menos descaradas. Y como todos los símbolos de una ciudad construida sobre el ajetreo, “Lunch Atop a Skyscraper” ha generado su propia economía. Es la imagen más reproducida de la agencia fotográfica Corbis. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #lunch #rca Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Señales. John Stanmeyer, 2014 Emigrantes africanos en la costa de la ciudad de Djibouti levantan sus teléfonos por la noche en un intento de captar señal de la vecina Somalia, un tenue vínculo con familiares en el extranjero. Esta foto de John Stanmeyer, nacido en Illinois, miembro fundador de la VII agencia de fotografía, ganó el premio World Press Photo of the Year 2014. Es una escena que literalmente no pudo haber ocurrido hace unos años; una luna brillante ilumina a los sujetos que intentan establecer contacto inalámbrico con familiares en el extranjero. “Es una foto que está relacionada con tantas otras historias”, dijo Jillian Edelstein, miembro del jurado y fotógrafa de World Press Photo. “Abre debate sobre tecnología, globalización, migración, pobreza, desesperación, alienación, humanidad.” Stanmeyer ha recibido numerosos honores, incluyendo el prestigioso premio Robert Capa (Overseas Press Club), Fotografo del Año (POYi), y numerosos premios de la Prensa Mundial, Picture of the Year y NPPA. En 2008, su reportaje de National Geographic sobre la malaria mundial recibió el premio National Magazine Award, y en 2012 fue nominado para un Emmy con la VII serie de documentales, “Hambrientos de atención”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #worldpressphoto #signal Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Behind the Gare Saint-Lazare. Henri Cartier-Bresson, 1932 La velocidad y el instinto estaban en el corazón de la brillantez de Henri Cartier-Bresson como fotógrafo. Y nunca los combinó mejor que el día en que, en 1932, apuntó con su cámara Leica a través de una valla detrás de la estación de tren de Saint-Lazare en París. La imagen resultante es una obra maestra de forma y luz. Mientras un hombre salta sobre el agua, evocando a los bailarines en un cartel en la pared detrás de él, las ondas en el charco alrededor de la escalera imitan las piezas de metal curvadas cercanas. Cartier-Bresson, disparando con una ágil cámara de 35 milímetros y sin flash, vio que todos estos componentes se unían durante un breve momento y presionó su obturador. El tiempo lo es todo, y ningún otro fotógrafo entendía tan bien esa idea. La imagen se convertiría en el ejemplo por excelencia del “Momento decisivo” de Cartier-Bresson, su término lírico para la capacidad de inmortalizar una escena fugaz en el cine. Era un estilo rápido, móvil, obsesionado con los detalles que ayudaría a trazar el rumbo de toda la fotografía moderna. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #speed #moment Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

An Antarctic Advantage. Daniel Berehulak, 2015 El Dr. Ernesto Molina, apoyado por el Instituto Antártico Chileno, camina por la base antártica rusa de Bellingshausen, con su Iglesia Ortodoxa de la Santísima Trinidad, en la Bahía de Fildes. Varios países, entre ellos Chile, Polonia y Rusia, han establecido estaciones científicas en la isla Rey Jorge en la Antártida. Por el Tratado Antártico, que entró en vigor en 1961, la Antártida se dejó de lado como reserva científica, con libertad de investigación y libre intercambio intelectual. Ningún país puede explotar los recursos minerales ni ejercer pretensiones territoriales. El tratado está actualmente en vigor hasta 2048, pero algunos países tienen la intención de ejercer una mayor influencia antes de la fecha de renovación. Algunos están observando las posibilidades estratégicas y comerciales que existen en la actualidad, como la recolección de iceberg (se estima que la Antártida tiene las mayores reservas de agua dulce del planeta), la pesca de krill y la expansión de la capacidad de navegación global. Esta fotografía del australiano Daniel Berehulak (New York Times) logró el 1er premio en historias de la vida diaria del World Press Photo 2016 ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #antarctic #worldpressphoto Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

La Haya. Erich Salomon, 1930 Varios ministros se reúnen para decidir el destino de las naciones con evidentes señales de cansancio, entre cigarros y brandy. Este tipo de situaciones siempre habían permanecido ocultas a miradas indiscretas. El fotoperiodista alemán Erich Salomon puso fin a esa discreción, moviéndose entre salas cargadas de humo con una pequeña cámara Leica construida para disparar con poca luz. En ningún otro lugar exhibió tanto su habilidad como en una reunión de 1930 en La Haya sobre las compensaciones de Alemania por los daños causados en la Primera Guerra Mundial. Allí, a las dos de la madrugada, la cámara de Salomon captó fielmente a los exhaustos Ministros de Asuntos Exteriores después de un largo día de negociaciones. La imagen causó sensación cuando fue publicada en el London Graphic. Por primera vez, el público podía mirar a través de la mirilla del poder y ver a los líderes mundiales con la guardia baja. Salomon, que murió en el campo de exterminio de Auschwitz 12 años más tarde, había sentado las bases del fotoperiodismo político entre bastidores. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #backstage #power Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Notre-Dame. Lee Miller (Vogue), 1944 ・・・ Jóvenes franceses subiendo a barricadas de sacos de arena cerca de Notre-Dame, en París, durante la Segunda Guerra Mundial. Fotografía de Lee Miller, Vogue, octubre de 1944. Notre-Dame ha sido un símbolo de la belleza y la historia de París durante generaciones. Hace tres días, la aguja icónica de la catedral se incendió y finalmente se derrumbó. Aunque la causa aún no está clara, las autoridades habrían dicho que podría estar relacionada con las obras de renovación del sitio histórico. Las multitudes se congregaron en las calles y puentes de París para observar y llorar el despliegue de unos 400 bomberos en la catedral para trabajar en la contención de las llamas. #Repost @voguemagazine. Gracias @cristinatrullen por el enlace. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #notredame #power Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Abraham Lincoln. Mathew Brady, 1860 Abraham Lincoln era un congresista de Illinois poco conocido con aspiraciones nacionales cuando llegó a la ciudad de Nueva York en febrero de 1860 para hablar en la Cooper Union. El discurso tenía que ser perfecto, pero Lincoln también sabía la importancia de la imagen. Antes de subir al podio, se detuvo en el estudio fotográfico de Mathew B. Brady en Broadway. El retratista, que había fotografiado a todos, desde Edgar Allan Poe hasta James Fenimore Cooper, y que haría una crónica de la próxima Guerra Civil, sabía alguna cosa sobre la importancia del primer impacto. Colocó al desgarbado Lincoln en una postura de hombre de Estado, apretó el cuello de su camisa para ocultar su largo cuello y retocó la imagen para mejorar su aspecto. En un clic de un obturador, Brady disipó lo que Lincoln dijo que eran “rumores de mi larga y desgarbada figura…. convirtiéndome en un hombre de aspecto humano y porte digno”. Al capturar los rasgos juveniles de Lincoln antes de que los estragos de la Guerra Civil le grabaran la cara con las tensiones del Despacho Oval, Brady lo presentó como un candidato tranquilo. La posterior charla de Lincoln ante una audiencia de 1.500 personas, en su mayoría republicana, fue un éxito rotundo, y la foto de Brady pronto apareció en publicaciones como Harper’s Weekly y en carteles electorales, lo que la convierte en el ejemplo más poderoso de una foto utilizada como propaganda de campaña. A medida que el retrato se extendió, impulsó a Lincoln desde el borde de la grandeza hasta la Casa Blanca, donde conservó la Unión y puso fin a la esclavitud. Como Lincoln admitió más tarde, “Brady y el discurso de Cooper Union me hicieron Presidente de los Estados Unidos”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #Lincoln #portrait Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Kuwait, un desierto en llamas. Sebastião Salgado, 1991 La guerra Irak-Kuwait no solo dejó víctimas mortales -que son las que de verdad importan- sino también produjo otra catástrofe entre enero y febrero de 1991, mientras la coalición liderada por Estados Unidos expulsaba a las fuerzas iraquíes de Kuwait. Las tropas de Saddam Hussein respondían creando un infierno. Incendiaron unos 700 pozos petrolíferos y un número indeterminado de zonas inundadas de petróleo que pronto ardieron de forma virulenta y se extendieron, provocando una de las mayores catástrofes medioambientales que se recuerdan. Mientras los desesperados esfuerzos por contener y extinguir el incendio iban progresando, el fotógrafo Sebastião Salgado que se encontraba casualmente en Venezuela fotografiando su inmensa industria petrolífera, se entera de que estaban ardiendo los pozos y entonces viajó a Kuwait para ser testigo directo de la crisis. En cuanto se percató de que las fuerzas de la alianza entraron en suelo kuwaití visionó que la historia “real” de aquel momento iba a estar en aquellos campos petrolíferos. Salgado no estaba preparado para lo que se iba a encontrar: equipos de diez hombres teñidos de negro por el petróleo trabajando metódicamente en unas condiciones que eran insoportables. El calor era tan fuerte que la lente más pequeña se le deformó y el ruido constante de los pozos también era tan intenso que solo podían comunicarse los trabajadores gritándose mutuamente al oído. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #salgado #kuwait Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Woman with a flower. Marc Riboud, 1967 El 21 de octubre de 1967, casi 100.000 personas marcharon en Washington, D.C. para manifestarse pacíficamente alrededor de los edificios del Pentágono en protesta contra la guerra de Vietnam. En fotógrafo de la agencia Magnum, Marc Riboud, documentó la marcha. La última imagen que capturó fue el de Jan Rose Kasmir, de 17 años, mientras sostenía una flor de crisantemo ante una hilera de soldados de la Guardia Nacional que portaban bayonetas. Kasmir no era consciente de la fotografía que se estaba tomando en ese momento, pero la imagen ha llegado a representar la valentía y el poder de la protesta pacífica. En una entrevista a The Guardian en 2015, Jan Rose Kasmir dijo: “No fue hasta que vi el impacto de esta fotografía que me di cuenta de que no era sólo una locura momentánea, sino que estaba defendiendo algo importante”. ________________________ #bestphotosever #photo #storytelling #historyphoto #vietnam #peace Sigue estas historias en #GRelatos

Una publicación compartida de Guillem Recolons Argenter (@guillemrecolons) el

Camera image by David MacFarlane on Shutterstock.com

El Personal Branded Content como cultura de marca personal

Empecemos por el principio, ¿Qué es el branded content?

El Branded Content está considerado como una estrategia de marketing basada en la creación de contenido patrocinado o producido directamente por una marca.

No es algo nuevo. En los años 30, antes de la aparición de la televisión, marcas como Procter & Gamble patrocinaron programas de radio con consejos para amas de casa. El resultado fue brillante para la marca… y para sus consumidores. Otros ejemplos históricos de Branded Content son el libro Guinness de los Récords, la Guía Michelin

Por supuesto, en la era digital y de saturación publicitaria, el Branded Content está adquiriendo una dimensión extraordinaria. Un buen ejemplo reciente sería el salto espacial de Felix Baumgartner / Red Bull que ya traté en este blog hace un  tiempo con el post El anuncio más visto de la historia no es un anuncio. Adiós, publicidad.

¿Estamos seguros de que el Branded Content es marketing?

Hace pocos día pude leer un fantástico artículo de Patricia Weiss en Branding Strategy Insider que me llamó la atención. Weiss cuestiona que el Branded Content se limite a una estrategia de marketing. En su lugar, la especialista considera que se trata de un mindset (mentalidad) que construye marcas, trascendiendo así el marketing.

Algo es seguro, el Branded Content no vende de forma explícita y no esconde mensajes corporativos de marca. Se trata de historias sobre personas que conectan emocionalmente porque giran alrededor de aspectos relacionados con nuestros valores, propósitos…

¿Quizás una nueva forma de relato?

La parte que me gusta del Branded Content es que muchas de las historias que estamos viendo están alineadas con un propósito, y fíjate qué coincidencia: es el de la marca. Pienso que hoy es clave que tanto las marcas comerciales como cada marca personal haya trabajado a fondo un propósito.

Cada vez que una marca comercial abandera un propósito como ser líder de tal mercado, muere un gatito. Lo mismo pasa cuando pregunto a una persona cuál es su propósito y me dice “ganar dinero”. Algo tan serio no se puede instrumentalizar de esa forma. Hablamos de un sueño utópico, de una visión, de una razón de ser (Ikigai), de un por qué.

Y eso nos lleva a una nueva narrativa que puede trascender el marketing y convertirse en una nueva cultura de marca, ya sea corporativa o personal.

¿Y qué hay del Personal Branded Content?

Muchos de los contenidos que compartimos profesionalmente podrían englobarse en el marketing personal, o si quieres Personal Marketing Content. La intención es vender -de forma directa o indirecta- nuestros servicios, nuestros productos. Cuando se trata de posicionarnos como especialistas (expertos, si quieres), se trata de Personal Branding, y aquí la clave es que intervengan los demás como valedores de nuestra profesionalidad.

No niego que algunos de los artículos de este blog -muy pocos- han tenido esa intención directa. Pero si cada artículo fuera marketing personal acabaría por aborrecer a los lectores, y déjame decirte que también a quien escribe.

Pienso que hay una parte de investigación y de altruismo necesarias en los contenidos que compartimos. Y eso es lo que llamaríamos el Personal Branded Content.

Thinkers y doers

Me decía mi colega y “thinkerArancha Ruiz que en todo sector profesional hay thinkers y doers (pensadores y hacedores). Por supuesto, también hay perfiles híbridos que combinan ambas cosas (yo me considero uno). Pero seas más de uno o de otro, si has identificado un propósito puedes generar pequeños relatos para transmitirlo.

Las grandes marcas están haciendo un buen trabajo facilitándonos historias que conectan valores humanos. Y los humanos tenemos la oportunidad de abrir nuestra caja secreta de pasiones, aficiones… para mostrar relatos de cómo somos, qué estamos haciendo para mejorar el mundo y qué es lo que de verdad importa.

grelatos

Relevancia, verdad y significado

Retomando a Weiss, la historia de tu marca diferencia tres motores esenciales: relevancia, verdad y significado, y siempre está orientada a las personas, no a los productos ni servicios. El héroe y protagonista son los demás, no eres tú.

Un ejemplo de Personal Branded Content son las series de fotografías con relato que muchos igers (Instagramers) regalan de forma altruista y nos alegran el día. Hace poco, me animé con un contenido que me apasiona: la fotografía histórica. Creé un hashtag llamado #GRelatos y cada día cuento una pequeña historia alrededor de una foto que ha dejado marca.

Empecemos a cambiar nuestra forma de pensar: el Brand Content no es una disciplina, ni un departamento. Es pura cultura de marca. Y también es cultura de marca personal.

Hoy, 17 de marzo, es San Patricio y cumplo años. Voy a tomarme una Guinness a tu salud. Feliz semana!

Cover image by HowLettery on Shutterstock.com 

#TEDxEixample19: la hora de la verdad

Esta semana tendrá lugar el primer evento TEDxEixample. Como voluntario miembro del equipo organizador estoy más que orgulloso del trabajo que se está haciendo, bajo el empuje inspirador de Pau Samo. Gracias Pau, Ana Reyes, Robert Ferrer, Carme Gibert, Rubén G. Castro, Helena Casas, Alba Espejo, Eva Soto, Irina González y Óscar Martínez! El 22/3 será un gran día.

Estás a tiempo de venir, creo que quedan diez o doce entradas libres. Las entradas las puedes adquirir aquí.

speakers TEDxEixample 2019

Las habilidades inhábiles (relato corto)

A menudo pensamos que unas habilidades que adquirimos hace mucho tiempo nos pueden ser útiles toda la vida. Desgraciadamente no es así.

Vengo hablando mucho de la importancia del contexto. El contexto es el que confirmará si esas habilidades son vigentes o deben ser actualizadas.

Si estudiaste una ingeniería de la construcción y sobreviene una  crisis como la que hubo en 2008 en muchos países, posiblemente esa crisis te arrastre. A no ser que tengas habilidades adicionales que te permitan una salida, un plan B.

Aquí traigo un relato breve (nuevamente anónimo) que escenifica bien esa necesidad de adaptarnos:

El lugar adecuado

Una madre y un bebé camello charlaban bajo un árbol.

El camello bebé preguntó: “¿Madre, por qué los camellos tienen jorobas?”

La madre camello lo consideró y dijo: “Somos animales del desierto, así que tenemos las jorobas para almacenar agua y así poder sobrevivir con muy poca reserva”.

El camello bebé pensó por un momento y dijo: “De acuerdo… ¿por qué nuestras piernas son largas y nuestros pies redondeados?”

La mamá le respondió: “Son para caminar por el desierto”.

El bebé se detuvo. Después de un rato, el camello le preguntó: “¿Por qué nuestras pestañas son tan largas? A veces se interponen en mi camino”.

La mamá respondió: “Esas largas y gruesas pestañas protegen tus ojos de la arena del desierto cuando sopla el viento.

El bebé pensó y pensó. Y respondió: “Ya veo. Así que la joroba es para almacenar agua cuando estamos en el desierto, las piernas son para caminar por el desierto y estas pestañas me protegen los ojos del desierto. Entonces ¿qué hacemos en un zoológico?”

Nuestras habilidades y competencias son útiles en el lugar y momento correcto

Así es. Tener un Ferrari en la selva amazónica es tan inútil como la joroba del camello en el zoológico, cuyo utilidad es únicamente fotográfica. Desde luego, nuestras habilidades no caducan. Nuestra pareja de camellos podría ser “liberada” por un grupo ecologista y devuelta al desierto. Quizá lo que necesiten practicar entonces es otra habilidad: la de utilizar unas habilidades “oxidadas”. Afortunadamente, el instinto es poderoso.

Adquirir nuevas habilidades, una competencia obligada del SXXI

Mi colega Eva Collado Durán habla a menudo del “estado beta permanente” como una de las competencias de los profesionales del siglo XXI. El estado beta permanente significa no dejar caer los codos a la hora de estudiar, de ponernos al día.

Un director comercial está obligado a formarse permanentemente en nuevas formas de aproximación a clientes, nuevos canales de venta, social selling… Si viene una  situación de crisis, la empresa siempre considerará a aquellos profesionales que dominen esas nuevas habilidades.

Hoy disponemos de muchísimos recursos para no quedarnos “oxidados”. Entre ellos, los libros, los MOOC de las universidades, cursos en empresa, talleres, webs educativas, postgrados, másters (muchos de ellos con la facilidad de ser online).

Si te encuentras como nuestros camellos en el zoológico, piensa qué nueva habilidad puedes desarrollar para no quedarte como un mero objeto de exposición.

Camels photo by Paul Michaels NZ on Shutterstock.com

Churchill y la cuerda del elefante: Nunca te rindas #Relato

Una de las muchas citas que conforman el legado y marca personal de Winston Churchill es la de “Nunca te rindas”.

El “Nunca te rindas” más popular

Para ser precisos, las palabras del gran primer ministro británico fueron:

“Never give in, never, never, never, never, in nothing great or small, large or petty, never give in except to convictions of honor and good sense. Never yield to force; never yield to the apparently overwhelming might of the enemy.”

(Nunca te rindas, nunca, nunca, nunca, en nada, grande o pequeño, largo o corto, nunca cedas ante tus convicciones de honor y sentido común. Nunca te rindas ante la fuerza, nunca sucumbas ante el poder aparentemente abrumador del enemigo”.)

El contexto lo es todo

El contexto de las palabras es importante. Muchos pensábamos que las pronunció tras ganar el bando aliado la 2ª Guerra Mundial. No es así, las pronunciaba cada día desde las ondas de la radio para animar a los ciudadanos a resistir mientras las bombas alemanas destrozaban la ciudad de Londres. Impresionante, ¿no?

Relato corto: La cuerda del elefante

Hoy, siguiendo el hilo del relato corto No juzgues sin conocer el contexto y el relato del otro, que publiqué hace unos días, traigo otro relato, desgraciadamente anónimo, que dibuja muy bien la idea de que a menudo vivimos en una jaula de la que no es posible salir.

la cuerda del elefante / relato

Google CC Search

Eduardo vio pasar a un grupo de elefantes de circo. Algo le llamó la atención: esas enormes criaturas se enlazaban unas a otras a través de una ridícula cuerda atada a su pata delantera. Sin cadenas, sin jaulas. Era obvio que los elefantes podían romper sus lazos en cualquier momento. Y, por alguna razón, no lo hacían.

Vio al domador y le preguntó por qué estos animales simplemente se paraban ahí y no intentaban escapar.

Bueno, dijo el domador, cuando son muy jóvenes y mucho más pequeños usamos la misma cuerda del mismo tamaño para atarlos y, a esa edad, es suficiente para sostenerlos. A medida que crecen, están condicionados a creer que no pueden separarse. Creen que la cuerda aún puede sostenerlos, así que nunca intentan liberarse.

Eduardo no podía creerlo. Los elefantes podían  liberarse en cualquier momento de sus ataduras, pero como creían que no podían, estaban atrapados.

No hagas como ellos. Nunca te rindas

Al igual que los elefantes, ¿cuántas veces has pasado por la vida aferrándote a la creencia de que no puedes hacer algo, simplemente porque ya has fracasado antes?

El fracaso es parte del aprendizaje; nunca debes abandonar la lucha. Cuida tu marca personal. Como repetía Winston Churchill día tras día, nunca te rindas.

Elephant in a bridge illustration by Orla on Shutterstock.com

No juzgues sin conocer el contexto y el relato del otro

Observa al chico de la imagen. No lo conoces, pero quizás serías capaz de aventurar un estereotipo del personaje en base a tu experiencia… ¿Niño pijo que se ha escapado de casa? ¿joven aventurero en busca de experiencias?

Lo cierto es que tenemos una cierta tendencia a juzgar y fabricar historias sin antes conocer el contexto y el relato. Todo se debe a la fuerza imaginativa que causa la primer impresión. ¿podría tratarse de un asesino en serie viajando tras su próxima víctima? ¿y del próximo inquilino de la Casa Blanca dentro de 10 años?

Una historia corta de contexto y relato que te sorprenderá

Un chico de 24 años que miraba por la ventana del tren gritó….

“¡Papá, mira los árboles que van detrás!”
El padre sonrió y una pareja joven que estaba sentada cerca, miró con cierta lástima el comportamiento infantil del chico cuando éste volvió a gritar…

“¡Papá, mira cómo las nubes nos persiguen!”

La pareja no pudo resistirse y le dijo al padre…

“¿Por qué no lleva a tu hijo a un buen médico?” El padre sonrió y dijo… “Lo hice y acabamos de salir del hospital, mi hijo era ciego de nacimiento y acaba de recibir sus ojos hoy”.

Cada persona en el planeta tiene una historia. No vale la pena juzgar sin conocer el contexto y el relato de las personas. Esa verdad podría sorprenderte.

Confieso que he buscado con ahinco al autor de este relato sin éxito. Si sabes quién es, por favor, escríbeme al final del post para incluirlo.  

La importancia del contexto

En plena era de la postverdad, nos olvidamos del contexto y buscamos el titular fácil. Y eso nos convierte en tertulianos de tweets. Y sabemos que el contexto es con mucha frecuencia lo que da sentido a la historia, como en el caso de nuestro joven del tren. Prejuzgar es demasiado fácil.

La marca personal, el contexto y el relato

Si no queremos que los demás fabriquen su verdad sobre nosotros, es vital que dominemos el contexto y el relato propios. Muchas de las respuestas acerca de por qué hay que trabajar la marca personal (lo que conocemos como estrategia de personal branding) están tras la necesidad de controlar nuestro relato.

No dejemos que prejuzguen. Quizás tampoco sea necesario desvelar todos nuestros secretos, algo de discreción es apreciada. Pero cuando alguien nos busque, fuera y dentro de la red, mejor que no se haga una idea equivocada, sesgada o incompleta de quiénes somos y de qué podemos hacer por los demás.

Boy looking at the window photo by Corepics VOF on Shutterstock.com

Unas claves y una historia para tu próxima reinvención profesional

En el transcurso de tu vida, habrá momentos buenos y momentos malos, momentos en los que te parecerá que eres invencible y momentos en los que te sentirás derrotado e inútil. Los momentos en los que te crees invencible no duran mucho, así que deberías disfrutarlos y saborearlos porque enseguida encontrarás algo que te recordará que estás subido en una montaña rusa, y que pronto volverás a bajar. Sin embargo, superar los momentos en los que te sientes derrotado e inútil es mucho más difícil.

El Síndrome de la Reinvención Abrupta

Un clásico de estos momentos duros es el del despido de un trabajo, y no es menos duro si hablamos de un despido directo o de un despido interior. De un día para otro, pasas de ser valioso en una organización a sentirte desplazado y a dudar de ti mismo, de tus conocimientos y de volver a encontrar una ocupación en la que te sientas realizado. He conocido a muchas personas en esa situación y, la gran mayoría, corren el riesgo de caer en lo que llamo el Síndrome de la Reinvención Abrupta.

Este peligroso síndrome arrastra a las personas que lo sufren a reinventarse, algo muy común en esta situación, pero cortando repentinamente con su entorno profesional anterior y enfocándose en un área generalmente muy alejada de la que ha conocido y dominado hasta entonces. Por ejemplo, hace unos años conocí a varios excelentes vendedores intentando transformarse en diseñadores de páginas web o en community managers. Como era previsible, les fue imposible empezar desde cero en sectores tan competidos y volvieron a su ocupación de vendedores “a la vieja usanza”, sin haber sacado partido de aquella experiencia y con la frustración de volver a un entorno del que había intentado escapar.

La reinvención profesional no es fácil de gestionar, y las más exitosas suelen venir de la hibridación de nuevos conocimientos y experiencias anteriores. A mi alrededor tengo muchos ejemplos de reinvenciones profesionales exitosas, pero he elegido dos de estos casos por ser los que he vivido más de cerca y porque son bien conocidos.

Casos reales de reinvención exitosa

Eva Collado y Guillem Recolons pueden decir que se han reinventado profesionalmente de manera exitosa. Eva es una de las expertas en gestión del capital humano más solicitadas por empresas de España y Latinoamérica y Guillem es uno de los pioneros y referentes en personal branding a nivel nacional. Pero como sucede en la mayoría de casos que eligen el camino de la reinvención profesional, han trabajado muy duro y durante mucho tiempo para conseguir estos éxitos y han tenido que superar muchos obstáculos en el camino.

Eva era responsable de desarrollo de recursos humanos en una multinacional de e-commerce y Guillem era publicitario en una importante agencia de publicidad cuando se vieron en la encrucijada que supone tomar la decisión de reinventarse profesionalmente. Para los dos, el camino fácil hubiera sido seguir año tras año haciendo lo mismo en otras empresas iguales a las que dejaban pero, incluso con buenas ofertas sobre la mesa, decidieron tomar el camino difícil.

Sin embargo, sabían que tenían que comenzar por adquirir nuevos conocimientos y potenciar ciertas habilidades así que, una vez definidos sus propios entornos de aprendizaje, decidieron perfeccionar sus habilidades digitales, comerciales, de autogestión y de networking. Como aseguran Eva y Guillem y como demuestran sus trayectorias profesionales, la suma de experiencia, nuevas competencias y conocimiento de nuevas tendencias del sector en el que te quieras enfocar son la llave de tu futuro y la clave de la reinvención profesional.

Unas claves para tu camino

Como te puedes imaginar, este es un proceso largo y que conlleva un grandísimo esfuerzo, así que será muy importante que no te precipites y que elijas bien la dirección de la reinvención y los conocimientos que habrás de sumar para llevarla a cabo. Además, tienes que tener paciencia porque los resultados no llegan el primer día y una mala elección puede encasillarte después en un área en la que en realidad no vas a encajar.

Seguramente esto no es lo que quiere escuchar una persona que está pensando en reinventarse profesionalmente. Es difícil pedir paciencia y fe en uno mismo a una persona que se siente derrotada e inútil, que se ve como una piedra abandonada en un camino.

Una historia para no olvidar

Por eso quiero contarte una historia. Una historia real que comienza así, con una piedra abandonada en un camino, una piedra más en un montón de piedras desechadas de una mina de diamantes en Sudáfrica, una piedra más hasta que Julie, una niña de 9 años, reparó en ella mientras jugaba por la zona.

Julie no tenía mucho más para jugar que aquel montón de piedras. De hecho, no tenía mucho más en la vida. Sus padres habían muerto, sus hermanos trabajaban como esclavos en la mina de diamantes y de ella solo cuidaba su tío discapacitado.

Como sospechó su tío en cuanto Julie le entregó aquella piedra que le había llamado la atención, lo que había dentro de la roca iba a cambiar sus vidas y también la historia de la joyería ya que, hasta entonces, nunca se había encontrado un diamante tan grande. Con un peso de 890 quilates, desde entonces se le conoce como el diamante Incomparable.

Tras varias compras y recompras, el diamante Incomparable en bruto acabó en Nueva York. Si la historia de su hallazgo había sido curiosa, no lo fue menos la del proceso de corte, tallado y pulido. Esta delicada tarea le fue encargada a Samuel Black, un reconocido experto en el facetado de diamantes.

Durante los cuatro años en los que estudió la piedra, Black tuvo que tomar varias decisiones. La más importante fue la de renunciar a cortar el diamante más grande del mundo, que habría de superar los 530 quilates del Cullinan I, para evitar el alto riesgo que presentaba la operación en una piedra de forma tan irregular. Finalmente optó por cortar una piedra de 407 quilates y otras 14 piedras más pequeñas.

diamante incomparable

Los 890 quilates del Incomparable en bruto, y una vez tallado con 407 quilates. Fuente: famousdiamonds.tripod.com

Así y todo, el Incomparable es el cuarto diamante más grande de la historia y el más grande de los diamantes café. A finales de los 80 salió a subasta por unos 20 millones de dólares, aunque no encontró comprador y actualmente su valor estaría por encima de los 55 millones de euros.

Me gustaría que no olvidaras esta historia si estás pensando en una reinvención profesional y que pensaras en ella la próxima vez que te sientas derrotado e inútil. Aunque en ese momento será difícil que creas en ti mismo, recuerda que hasta el diamante más grande necesita de alguien que sea capaz de ver su potencial para ayudarle a brillar y de tiempo para ir puliendo las aristas, así que confía en ti y no te precipites a la hora de elegir qué quieres ser en el futuro.

Storytelling: el discurso que conecta, seduce y convence

Las historias pueden cambiar el mundo

El factor de elección entre dos profesionales con idénticos conocimientos hard y trayectorias parecidas puede estar en la facilidad de llegar emocionalmente a su interlocutor. De eso ya no tenemos dudas: las historias pueden cambiar el mundo.

Aunque el arte de contar historias se remonta a las ancestrales cavernas, algunos autores lo convirtieron en ciencia al incluirlo en el Branding de marcas Comerciales, candidatos políticos, y, cómo no, en profesionales. De entre ellos destaco a dos: Christian Salmon, autor de Storytelling: La máquina de fabricar historias y formatear las mentes (Atalaya, 2008) y el español afincado en Chicago Antonio Núñez, autor de dos libros sobre la materia, del que recomendaría Será mejor que lo cuentes (Empresa Activa, 2007).

  • Entre los buenos ejemplos del uso de storytelling en marcas comerciales destacaría “el salto” de Felix Baumgartner para Red Bull, que tuvo al mundo en vilo durante unas horas, consiguiendo audiencias que superan en miles a campañas publicitarias convencionales, y aparece incluso en la Wikipedia.
  • En política es destacable el uso de metáforas para elaborar discursos que llegan al corazón: “new deal”, “paro cero”, “el cambio”, “”La force tranquille”…
  • En personas, los casos de Jeff Bezos, Richard Branson, Bill Gates son ejemplos académicos de cómo utilizar el relato con fines de mejor conexión y empatía con los públicos. Aunque quizás es una historia algo inexacta, saber que Jobs y Wonziak empezaron con Apple en un garaje y sin estudios universitarios conecta con muchas personas de origen humilde y anima a superar prejuicios.

Todos tenemos cosas que contar, y a menudo la razón de no hacerlo es porque nos han enseñado a separar muy bien entre lo profesional y lo personal, cuando en realidad hablamos de una delgada línea que no es malo traspasar. Si queremos generar empatía la clave es tener el valor de mostrar con el mismo interés nuestras fortalezas como nuestras debilidades: eso es lo que nos humaniza, y eso es lo que conecta, seduce y convence.

Para no quedarnos únicamente en ejemplos de famosos dejo un ejemplo de storytelling aplicado a un profesional tras un proceso de personal branding:

¿Cuándo es interesante utilizar el relato personal?

En los procesos de marca personal vemos ciertas tipologías de profesionales que requieren más que otros el uso de momentos personales de su historia para reforzar su carrera o sus competencias:

  1. Arquitectos, ingenieros, médicos, abogados, policías. Profesiones que a menudo arrastran no tanto mala “fama” como cierta noción de frialdad. Hollywood nos ha inundado la cabeza de abogados duros, calculadores y fríos, igual que policías. Pero lo cierto es que los relatos de estas personas nos calan profundamente cuando demuestran su condición humana; sus relaciones con sus hijos, cónyuges, sus dependencias al alcohol, a drogas de otro tipo.
  2. Profesionales de la comunicación: periodistas, publicitarios, community managers, personas que a menudo necesitan conectar con fuerza con sus audiencias con algo más que fríos datos, necesitan el relato para abrir los corazones y generar complicidades.
  3. Los que buscan trabajo. Deben saber que las cosas están cambiando, que cada logro en la carrera profesional posiblemente venga de una historia que merece ser contada. ¿En un CV? No, el CV es un formato agonizante. Quizás la entrevista personal sea el lugar adecuado. Imaginemos una frase (real) del estilo “mis amigos se burlaban de mí en el colegio por mi obesidad, por eso estudié dietética”. ¿No es mejor que simplemente decir “estudié dietética”?. Otro formato que se impone es el Vídeo-CV, del que tenemos excelentes ejemplos en YouTube de creatividad que ha conseguido que los candidatos sean reclutados en menos de 24h por mostrar habilidades que van más allá de sus competencias profesionales (cocinar, tocar el piano, pilotar un avión…) y que humanizan el discurso.

Un consejo final para trabajar el relato personal: además de leer con atención los libros referidos, plantearse seriamente convertir un hobby en un apoyo del relato personal. Por ejemplo, si uno es corredor de medias maratones puede compartir ese dato para hablar de sus dotes de disciplina, cultura de auto-superación y esfuerzo. O si uno colecciona sellos puede dar información sobre su capacidad investigadora, su afán de terminar las cosas…

Para saber más os recomiendo el artículo de Tino Fernández / Expansión publicado el 22 abril 2016 bajo el título ¿Eres un ‘flautista de Hamelín’ en tu trabajo? en que colaboran Andrés Pérez Ortega, Iñaki Arrola y yo mismo en base al texto anterior.

Imagen: shutterstock.com

¿Un profesor de marca personal sin marca personal?

¿Por qué no inspirar desde la acción?

Un micropost de Alfredo Vela en su excelente blog  Tics y Formación encendió una alarma en las redes sociales hace pocos días. El título del post no podía ser más explícito: ¿Cómo puedes enseñarme a crear Marca Personal online si no la tienes tu?

Alfredo metió -oportunamente- el dedo en la llaga, ya que luego, en la imagen, utilizó un símil interesante: “si criticamos que muchos profesores den formación sobre emprendimiento sin haber creado jamás una empresa ¿por qué no criticamos que muchos profesores den formación sobre marca personal sin haber creado la suya propia?”
blog_guillemrecolons_alfredovela

Es un buen argumento, que imagino que a muchos les ha sentado como una patada en las partes bajas. Tanto es así que aparecieron los demagogos de turno para tratar de invalidar el discurso. Detallo los comentarios que aparecieron en el perfil de Facebook de Andrés Pérez Ortega cuando se hizo eco de este post. Obviaré los nombres de sus autores, creo que aquí lo importante son los contenidos, pero no cabe duda de que se trata de profesores que no practican desde la experiencia:

Personaje 1: Es obvio …… no se puede enseñar historia de la Inquisición sin llevar a un par de brujas a la hoguera o torturar a un par de herejes. No se puede enseñar el efecto nocivo del tabaco sin fumar 2 cajetillas diarias, o ayudar a otros a adelgazar sin haber sido al menos obeso una vez en tu vida.

Réplica de Andrés Pérez: Curiosamente todos esos ejemplos son negativos (inquisición, fumar, obesidad, …) y eso es fácil porque siempre se puede ir a peor. Lo complicado es demostrar y utilizar el ejemplo propio para transmitir que algo es posible y que se puede mejorar. Cualquiera puede leer sobre cualquier cosa en libros o en Internet pero se genera más credibilidad cuando uno ha aplicado con éxito aquello que predica. ¿Por qué debería creer a un gurú del SEO si no aparece bien posicionado en Google? ¿Qué credibilidad me merece un experto en Marca Personal a quien nadie reconoce como profesional en lo suyo? ¿Por qué habría que confiar en un experto en Social Media que ha creado su cuenta en Twitter hace una semana? Lo único que criticaría de esa frase es que una Marca Personal la tenemos todos, la única diferencia es la fortaleza de esa Marca Personal.

Réplica mía: Personaje 1, quien mejor puede explicar el horror de un campo de concentración es un superviviente, tendrá más credibilidad que quien no lo haya vivido. Eso, por supuesto, no invalida la labor de un historiador, pero el matiz de la vivencia propia suma enteros.

Personaje 2: no es lo mismo contar la historia, que enseñar como hacer algo.

Réplica mía: Tengo que aprender francés. ¿Qué crees, mejor un profesor francés o uno chino?

Personaje 2: pues yo creo que el que haya demostrado anteriormente que sabe enseñarlo muy bien

Réplica mía: Personaje 2, creo que sabes de lo que hablo. Es difícil superar la experiencia

Doy las gracias a Alfredo Vela por haber arrancado el debate y a Andrés Pérez por haberse hecho eco. Hoy leo además en La Vanguardia que muchas empresas recurren a personajes que han pasado por experiencias relevantes, ya sean más o menos famosos. Es obvio que no solo una mujer como Edurne Pasabán está autorizada hablar de superación, pero posiblemente ofrezca mayor credibilidad que alguien que haya leído 25 libros sobre superación pero que no la haya experimentado.

Lo que está sucediendo con la marca personal va en paralelo a lo que sucedió con el coaching. De la nada, ahora todo el mundo es coach y todo el mundo es experto en marca personal. Y el problema es que, oficialmente, un coach puede serlo con 2 años de estudios y 5 de experiencias o con tres meses de estudios. Lo mismo con la marca personal. Si tu mentor de marca personal 2.0 (término algo equívoco, luego hablamos) no aparece en Google o su marca se confunde con la de otros con el mismo nombre, apaga y vámonos. La persona que va a emprender una formación con alguien que supuestamente sea un experto en marca personal, lo primero que tiene que preguntarse es sobre la trayectoria de esta persona y no dejarse llevar por las tácticas de Adwords, que pueden colocar tu nombre en primer lugar, pero sin ninguna historia detrás, sin ningún escrito propio sobre el tema, puro vacío.

Volviendo al término marca personal 2.0, solo quiero introducir el matiz de que la marca personal 2.0 es una parte de un todo (es un medio) pero no el todo en si mismo. Un especialista en gestión de marca personal empezará preguntando dónde quieres estar en 10 años, y no solo en internet, en tu vida, en tu carrera. Palabras mayores.

[subscribe2]

La humanización de las marcas (1) ¿Qué le ha pasado a Ana?

 

Humaniza, que algo queda

Los que me conocéis sabéis que llevo tiempo haciendo bandera de la necesaria humanización de las marcas y de las corporaciones. La tendencia del marketing más humanizado es imparable, y tenemos buenos ejemplos, uno de ellos sería la comunicación de Balay de los últimos años o la reciente campaña de Freixenet, de mis amigos de JWT, que aunque algo polémica, destaca por la humanización de sus personajes (las burbujas).

anacodor

Ana sin Ana

Una de las marcas más humanizadas que conocemos es Ana de Codorniu, que desde hace años protagoniza su comunicación con una mujer, Ana, el centro del relato. Me extrañó ver hace unos días una marquesina de esta marca sin Ana, con un simple bodegón . ¿Qué le ha pasado a Ana? Espero que nada, he visto los últimos vídeos de campaña y Ana aparece, más sofisticada que nunca, en una magnífica ejecución del equipazo de Igriega Comunicación.

Relatos que humanizan

El storytelling llegó hace muchos años y se consolida precisamente para humanizar a las marcas. Una marca necesita convertirse en persona para establecer un diálogo con las personas. Y eso lo hace a través de pequeñas historias, de micro-relatos que quieren conseguir una relación emocional con sus posibles usuarios. Los viejos anuncios de los 80 de un bodegón unido a una frase lapidaria con voz grave han pasado a la historia. Ahora queremos saber más, no nos conformamos con la parte funcional de las marcas, queremos conocer su lado oscuro, su lado alegre, sus debilidades, su razón de ser y lo que quiere ser de mayor.

Hace poco leí, en un excelente post sobre tendencias 2014 de la agencia JWT, que pasamos del Storytelling al Storydoing. no puedo estar más de acuerdo. Llega el momento en que las marcas deben ser protagonistas de relatos reales, de experiencias en la calle. Es la hora del street marketing, que también llegó hace pocos años para quedarse y ayudar a las marcas a conectar con las personas.

Aquí tenemos a Ana

Aquí tenemos a Ana

Trabajar la visión

Por alguna razón que desconozco, a casi todas las empresas les duele trabajar su visión, su sueño, su papel en el mundo, el texto de su lápida. Muchas veces lo hacen en clave de liderazgo, como si al resto de la humanidad le importara tres carajos que una marca sea líder. Las personas no queremos marcas líderes, queremos marcas cercanas, y así es como se debería trabajar la visión de una empresa, de una marca, de una persona. Trabajar una visión para colgarla en un cuadro en la cocina sirve de poco. La visión ha de contener una idea compartida, emocional, en clave de contribución a un colectivo, quizás a la humanidad. Si las empresas , marcas y personas trabajan mejor su visión conseguirían humanizarse, conseguirían entrar de lleno en la conversación y conectar.

“Estoy descubriendo la necesidad de una crisis semanal”

Sin crisis no hay historia

Uno de los requisitos clave para que un relato conecte es que haya conflicto, crisis. Las historias sin conflictos son “pastelitos” que no movilizan ninguna área de nuestro cerebro. Estos días estoy dando charlas sobre “storytelling” como herramienta de comunicación personal / profesional en diversas ciudades de la provincia de Barcelona, y algo que a mi compañera Olga Villacampa y a mi nos llama la atención es la poca conciencia que existe hacia la eficacia de una comunicación más emocional. Lo podríamos llamar “el ROI de la comunicación emocional”. 

Uno de los ejemplos que utilizamos es el del hombre invidente al que un cambio en la forma de redactar el cartel “Soy ciego. Por favor, ayúdeme” modifica de manera inmediata la reacción de quienes pasan a su lado. Al final de este post os dejo el vídeo, un excelente trabajo.

Pero un punto de acuerdo hacia la comprensión de todo relato efectivo es la necesidad de que exista un conflicto. Antonio Núnez, experto en el tema, lo explica muy bien en su libro “Storytelling en una semana“. Sin conflicto no hay historia, no hay respuesta emocional.

Gerardo "Tata" Martino

Gerardo “Tata” Martino

Quizás por eso no me sorprende haber oído una frase de Gerardo Martino, nuevo entrenador del FCBarcelona de fútbol: “Estoy descubriendo la necesidad de una crisis semanal“.

Los medios compiten entre ellos por llamar la atención, y para ello utilizan todos los recursos a su alcance, incluyendo la sobreexposición de temas aparentemente banales o directamente la exageración sistemática de pequeños errores del día a día, que se convierten en titulares mediáticos de primer orden. A ver, ¿Qué narices deben explicar los muchos diarios deportivos, programas de radio y televisión para llenar cada día páginas y horas de información futbolística?.

La frase del “Tata” Martino es brillante, y pone de manifiesto la necesidad constante de un conflicto para apuntalar el relato del Barça. Si no hay un problema, no existe una solución. Efectivamente, el seguidor blaugrana necesita una crisis -como mínimo- cada semana, algo que llene páginas y momentos en los medios y que permita conectar personas con personas alrededor de una historia compartida en bares, oficinas, trenes…

Bienvenido seas al fútbol europeo, Martino. Has llegado y te has hecho muy rápidamente con el funcionamiento emocional de la afición. Ahora ya sabes lo que toca: evita los conflictos que no estén en tu guión, dirígelos tu mismo, planifícalos. Al final, ya sabes que la solución de todo conflicto es una: ganar tres puntos cada fin de semana.

Aquí esta el vídeo “The power of words”.

[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=ZF8EcHkSRSY[/youtube]